Kurzinhalt
ALIEN: ROMULUS führt das erfolgreiche ALIEN Franchise zurück zu seinen Wurzeln: Während eine Gruppe junger Weltraumkolonisatoren in den Tiefen des Weltalls eine verlassene Raumstation ausräumt, trifft sie auf die furchterregendste Lebensform des Universums.
In den Hauptrollen spielen Cailee Spaeny („Priscilla“), David Jonsson („Agatha Christie's Murder is Easy“), Archie Renaux („Shadow and Bone: Legenden der Grisha“), Isabela Merced („The Last of Us“), Spike Fearn („Aftersun“), Aileen Wu. Fede Alvarez („Evil Dead“, „Don't Breathe“) führt Regie nach einem Drehbuch, das er gemeinsam mit Rodo Sayagues („Don't Breathe 2“) schrieb und das auf den von Dan O'Bannon und Ronald Shusett geschaffenen Charakteren basiert.
Produziert wird ALIEN: ROMULUS von Ridley Scott („Napoleon“), der bereits beim ersten „Alien“-Film „Alien: Das unheimliche Wesen aus einer fremden Welt“ Regie führte und bei den Fortsetzungen „Prometheus“ und „Alien: Covenant“ als Produzent und Regisseur fungierte. Michael Pruss („Boston Strangler“) und Walter Hill („Aliens: Die Rückkehr“, „Alien3“) sowie Fede Alvarez, Elizabeth Cantillon („3 Engel für Charlie“), Brent O'Connor („Bullet Train“) und Tom Moran („Unstoppable – Außer Kontrolle“) fungieren als ausführende Produzenten.
The Journey of a New “Alien”
„Im Weltraum kann dich niemand schreien hören.“ Dieser ikonische Slogan hat Generationen von Kinogängern tief ins Herz und in die Seele getroffen, und in den letzten vier Jahrzehnten hat das „Alien“-Franchise die Messlatte für das Science-Fiction-/Horror-Genre hochgesetzt.
Die Brillanz von Ridley Scotts Film aus dem Jahr 1979 erweckte ein bahnbrechendes Franchise zum Leben, das bemerkenswerte Regisseure (unter anderem James Cameron, David Fincher und Jean-Pierre Jeanuet), nie zuvor gesehene Kreaturen und hochmoderne Effekte bietet, die definieren, was es bedeutet, wirklich Angst zu haben.
Die Reise zum neuesten Einzelfilm der epischen „Alien“-Reihe begann, als Fede Alvarez dem gefeierten Filmemacher vor Jahren seine Ideen vorstellte. Scott war sofort begeistert. „Fede Alvarez hatte eine echte Vision für diesen Film“, erinnert sich der ausführende Produzent Tom Moran („Unstoppable“).
Scotts Produktionsfirma, Scott Free, stellte die Idee den 20th Century Studios vor, und mit deren Segen und Scotts Anleitung begann Alvarez mit Rodo Sayagues („Don't Breathe 2“) an einem Drehbuch zu arbeiten. Laut Produzent Michael Pruss („Boston Strangler“) bestand die größte Herausforderung darin, herauszufinden, wie man einen „Alien“-Film für 2024 dreht. „Die Entwicklung des Franchise ist faszinierend, aber es schreit geradezu nach einem neuen, modernen Film“, sagt Pruss.
Die Filmemacher mussten nicht nur die Mythologie verstehen, sondern auch, wie die Charaktere, der Horror und die Spannung – die im gesamten „Alien“-Franchise historisch fantastisch waren – heute noch existieren können. James Cameron, der 1986 „Aliens“ schrieb und inszenierte, traf sich schon früh im Schreibprozess mit Alvarez und lieferte wertvolle Einblicke und Anregungen zu allen Aspekten, von der Charakterentwicklung bis zur Erschaffung der Aliens.
Der Weg von der Idee bis zum Dreh war das Ergebnis mehrerer kreativer Durchbrüche von Alvarez. „In ‚Aliens‘ gibt es eine gelöschte Szene, in der ein paar Kinder zwischen den Arbeitern der Kolonie umherlaufen“, erklärt Alvarez. „Ich erinnere mich, wie ich darüber nachdachte, wie es für Teenager wäre, in einer so kleinen Kolonie aufzuwachsen und was mit ihnen passieren würde, wenn sie Anfang 20 wären.“
Diese Prämisse war die Geburtsstunde der Geschichte von „Alien: Romulus“ und gab dem Franchise gleichzeitig eine neue Wendung. Die Originalgeschichte von Alvarez und Sayagues spielt rund 20 Jahre nach dem ersten „Alien“-Film und etwa 37 Jahre vor „Aliens“. Während sie eine stillgelegte Raumstation durchforsten, in der Hoffnung, die nötige Technologie zu finden, um ihren dem Untergang geweihten Planeten hinter sich zu lassen, erweckt eine Gruppe junger Kolonisten unfreiwillig den furchterregendsten Organismus des Universums.
Eine neue Generation von Talenten
„Alien: Romulus“ ist der erste Film der „Alien“-Reihe mit jungen Erwachsenen. Die Filmemacher legten großen Wert darauf, die besten jungen Schauspieler für die Rollen zu finden. Rain Carradine war die erste Besetzung.
Rain ist Protagonistin und Heldin des Films. Die amerikanische Schauspielerin Cailee Spaeny ergatterte die Rolle. Nebenrollen in Filmen wie „Pacific Rim Uprising“ und „Bad Times at the El Royale“ brachten ihr eine Golden Globe®-Nominierung für die Titelrolle in Sofia Coppolas „Priscilla“ ein, bevor sie im Frühjahr in dem Kassenschlager „Civil War“ zu sehen war.
Regisseur, Drehbuchautor und ausführender Produzent Fede Alvarez lernte Spaeny bereits mehrere Jahre vor Beginn der Dreharbeiten zu „Alien: Romulus“ kennen, und die Schauspielerin war immer seine erste Wahl. „Wenn ich ein Drehbuch schreibe, mache ich ein Fantasy-Casting. Dabei hänge ich Fotos von Schauspielern (und auch von Nicht-Schauspielern) an eine Pinnwand, um eine bessere Verbindung zu den Figuren aufzubauen“, sagt er. „Cailees Foto war das erste an der Wand … Ich wusste immer, dass sie Rain ist.“
Rain ist ein 25-jähriges Mädchen, das nach dem Tod ihrer Eltern ein besseres Leben weit weg von Jackson's Star, der Bergbaukolonie, in der sie lebt, sucht. Auf ihrem Weg in die Freiheit wird Rain in Situationen gezwungen, in denen sie mit aller Macht ums Überleben kämpfen muss.
Spaeny war für die Rolle von Rain bestimmt. „Ich war schon immer ein Fan dieser Franchise“, sagt sie. „Sie ist Kult. Ich war total begeistert, als ich hörte, dass Fede beim nächsten ‚Alien‘-Film Regie führen würde. Es war eine unglaubliche Chance, mit einem spannenden Drehbuch und einer knallharten Figur.“
Rains Bruder Andy ist ein synthetischer Mensch, der von der Weyland-Yutani Corporation (dem Unternehmen hinter der Bergbaukolonie und der Raumstation) erschaffen wurde. Er ist verständnisvoll, hilfsbereit und beschützt seine Schwester. David Jonsson wurde für die Rolle gecastet. Der Schauspieler, der in der BBC/HBO-Serie „Industry“ und zuletzt in „Agatha Christies Mord ist leicht“ mitspielte, war sofort dabei.
„Der Film ist eine emotionale Achterbahnfahrt und in vielerlei Hinsicht existenziell“, sagt Jonsson. „Er handelt vom allgemeinen Bedürfnis der Menschen, Frieden zu finden, einen Ort, den sie ihr Land, ihr Zuhause nennen können.“
Synthetische Wesen, auch Androiden oder künstliche Personen genannt, sind biomechanische Humanoide. Im Wesentlichen sind sie Roboter, die in Aussehen und Verhalten dem Menschen sehr ähnlich sind. Der allererste Synthetische im „Alien“-Universum war Ash (gespielt vom verstorbenen Ian Holm), ein Wissenschaftsoffizier, dessen Identität vor der Crew geheim gehalten wurde, da er ein Schläferagent von Weyland-Yutani war und an Bord der Nostromo eingesetzt wurde, um sicherzustellen, dass der Xenomorph zur Untersuchung und zum Einsatz in der Biowaffenabteilung nach WY zurückgebracht wurde.
Tyler, Rains Ex-Freund, der ebenfalls in den Minen von Jackson’s Star arbeitet, wird von Archie Renaux gespielt, der unter anderem an der beliebten Netflix-Serie „Shadow and Bone“ mitgewirkt hat. „Das Drehbuch geht zurück auf die Ursprünge des ersten ‚Alien‘“, sagt Renaux. „Und ich fand es toll, dass Fede auf praktische Effekte setzte – bei allen Kreaturen, sogar beim Xenomorph –, also war ich vom ersten Tag an gefesselt.“
Kay, Tylers Schwester, wird von Isabela Merced gespielt, die in „Sicario 3: Der Soldat“ und „The Last of Us“ zu sehen ist. Merced sagt: „Fede rief mich an, um mir mitzuteilen, dass ich die Rolle der Kay bekommen hatte. Da wurde mir klar, dass die Rolle dieser Figur eine prägende Erfahrung für mich sein würde.“
Schauspieler Spike Fearn („Back to Black“) wurde für die Rolle des Minenarbeiters Björn gecastet. Aileen Wu, die in „Alien: Romulus“ ihr Filmdebüt gibt, spielt Navarro, eine technisch versierte junge Frau, die die Corbelan, ein funktionales Raumschiff, steuert. Sie wurde von Björns Familie auf Jacksons Star aufgenommen und betrachtet Björn heute als Bruder.
Die Filmemacher entschieden sich schon früh für einen linearen Dreh. So konnten nicht nur sie, sondern auch die Darsteller die Geschichte und die Charakterentwicklung vollständig miterleben. „Es war ein echtes Vergnügen, den Film chronologisch zu drehen“, sagt Spaeny. „So konnte ich den natürlichen Handlungsbogen von Rain entdecken und Rains Reise von Anfang bis Ende miterleben. Für mich als Schauspieler war das ungemein befriedigend.“
Jonsson stimmt dem zu und sagt: „Im Film glaubt man, Andy zu kennen, aber dann ist es nicht so. Und dann lernt man ihn wieder kennen und merkt dann, dass man ihn überhaupt nicht kennt.“
„Was mich besonders berührt hat, ist der Kampf dieser jungen Menschen um ein besseres Leben, während das Unternehmen seine Versprechen nicht einhält und ignoriert“, fügt Renaux hinzu. „Diese Jugendlichen müssen sich ihre eigenen Chancen auf ein besseres Leben schaffen.“
Über die Produktion
Die Dreharbeiten zu „Alien: Romulus“ begannen am 9. März 2023 in Budapest, Ungarn. Die wunderschöne mitteleuropäische Hauptstadt ist aufgrund ihrer wunderschönen Drehorte, der erfahrenen einheimischen Crews, der effizienten Steueranreize und der hohen Lebensqualität als Drehort zahlreicher Hollywood-Big-Budget-Filme bekannt. Was die Filmemacher für dieses Projekt jedoch besonders anzog, waren die Tonbühnen der Origo Studios, in denen fast alle Sets gebaut wurden.
Um eine visuell spektakuläre Welt zu erschaffen , die das Publikum in die dunkelsten Winkel des Universums entführt, hat Regisseur/Co-Drehbuchautor/Ausführender Produzent Fede Alvarez ein beeindruckendes Kreativteam rekrutiert, darunter Kameramann Galo Olivares („Gretel & Hänsel“), Produktionsdesigner Naaman Marshall („Don’t Breathe“), Editor Jake Roberts, ACE („Civil War“), Komponist Benjamin Wallfisch („Blade Runner 2049“), Visual Effects Supervisor Eric Barba („Oblivion“), Kostümdesigner Carlos Rosario („Shogun“), Bühnenbildnerin Zsuzsanna Sipos („Dune: Part Two“), Maskenbildner Ivān Pohārnok („Midsommar“), Requisiteur Graeme Purdy („Spider-Man: Far From Home“) und Special Effects Supervisor Gábor Kiszelly („Poor Things“).
Mit Ridley Scotts Segen beschloss Alvarez, bei den Dreharbeiten zu den Grundlagen zurückzukehren. „Ich wusste, dass ich dieses Kapitel nicht nur handlungstechnisch, sondern auch visuell ganz von vorne beginnen wollte“, erklärt Alvarez. „Ich wollte es einfach halten und mich auf wenige Charaktere konzentrieren, die man kennen und lieben lernen konnte.“
Dazu gehörte auch der Einsatz von visuellen Effekttechniken, die seit Ewigkeiten nicht mehr zum Einsatz kamen. „Mein Ansatz war es, einen echten Horrorfilm mit wenigen Charakteren zu schaffen und, wo immer möglich, praktische Effekte einzusetzen“, sagt Alvarez. „Ich wollte allen Filmemachern vor mir meinen Respekt zollen und der ‚Alien‘-Reihe auf vielfältige Weise Tribut zollen.“
„Fede ist ein einzigartiger Filmemacher“, sagt Ridley Scott. „Er macht alles selbst. Natürlich verlässt er sich auf die Crew, die ihm hilft, seine Vision umzusetzen. Aber er ist ein Allrounder.“
Ausführender Produzent Tom Moran ergänzt: „Ich habe noch nie einen Regisseur getroffen, der den Film eines anderen Regisseurs mehr liebte als Fede Ridley Scotts ‚Alien‘. Ridleys Ansatz im Jahr 1979 war in Bezug auf visuelle Effekte und Stil sehr praktisch. Fede beschloss, dies zu würdigen und sich auf das Wesentliche zu besinnen.“
Es gibt sogar Anspielungen auf die ikonischen Kerne von Jerry Goldsmith und James Horner aus „Alien“ bzw. „Aliens“ sowie auf den Eröffnungstitel von Richard Greenberg und Phil Gips aus „Alien“.
Daher wurde jedes Set originalgetreu konstruiert: jede Ecke der Raumschiffe, die Raumstation, die Kolonie, die Gänge und die Andockbucht. Naaman Marshall erzählt: „Als ich früh mit Fede sprach, sagte er mir, es würde ein Film mit einer riesigen Welt und einem großartigen Design werden. Wir haben uns auf jeder Ebene auf die Praxis konzentriert, nicht nur bei den Sets, sondern auch bei den Kreaturen, Requisiten, der Ausstattung und den Kostümen. Wir haben uns ganz auf die Realität konzentriert und visuelle Effekte nur zur Ergänzung und Verschönerung eingesetzt.“
Eric Barba bestätigt, dass ihre Arbeit nicht für die Öffentlichkeit bestimmt ist. „So viele praktische Erfahrungen zu nutzen, ist ein großer Vorteil“, sagt er. „Es gibt allen so viele Referenzen: den Darstellern, dem Produktionsdesign und vor allem dem Kameramann während der Dreharbeiten.“
Alles, außer der Außenkolonie von Jackson's Star und den Kolonie-Angelegenheiten, wurde auf Bühnen oder auf dem Außengelände der Origo Studios gebaut. „Fede wollte vom ersten Tag an riesige Bühnenbilder und einen praktischen Ansatz, also haben wir alles von Grund auf neu gebaut und entworfen“, sagt Marshall.
„Es war unglaublich, am Set zu sein“, sagt Archie Renaux, der Tyler spielt. „Alles war praktisch, was unsere Arbeit als Schauspieler nicht nur einfacher, sondern auch viel unterhaltsamer macht.“
Alvarez' grundlegende Regel, sich auf das Wesentliche zu besinnen, verleiht „Alien: Romulus“ eine äußerst reiche visuelle Ästhetik, einen texturierten, altmodisch-futuristischen Look, der jedoch zugleich eine vertraute Düsternis ausstrahlt. Da „Alien: Romulus“ zwischen „Alien“ und „Aliens“ spielt, haben die Filmemacher die 1980er Jahre und jedes Bild der beiden Filme intensiv recherchiert.
Alvarez erklärt: „Unser Ansatz bei Naaman bestand darin, den Film als Historienfilm zu betrachten. Wir ließen uns von den ersten beiden ‚Alien‘-Filmen inspirieren und recherchierten den Futurismus dieser Ära.“
„Wir wollten, dass ‚Alien: Romulus‘ als Teil einer Trilogie im Kino wahrgenommen wird, sodass man ihn einfach nach ‚Alien‘ und vor ‚Aliens‘ sehen kann“, fügt Marshall hinzu. „Es war eine echte Herausforderung, etwas zu entwerfen, das in die Schublade eines anderen passt. Ich habe viel über die Filme von Ridley und James Cameron recherchiert: viele Screenshots von Texturen, Farben, Formen und Prothesen. Wir haben uns zurückgelehnt in die Zukunft der 1980er Jahre.“
Der erste große Bühnenaufbau der Show (der einzige außerhalb einer Tonbühne) war Jacksons Star-Kolonie. Eine riesige Außenwelt wurde mit Feldern und Bergbaufeldern errichtet, die von über 400 Statisten bewohnt wurden. Jacksons Star ist ein dunkler Ort, da die Kolonie nie die Sonne sieht. Daher war es wichtig, dass die Kolonie mit Schichten von Schmutz und Staub einen schmuddeligen Eindruck machte.
Das erste Raumschiff auf dem Bildschirm ist die Corbelan, mit der die jungen Bergleute auf Jackson's Star zur stillgelegten Renaissance reisen. Die Texturen des Schiffs bestehen hauptsächlich aus metallischen und übermalten Materialien, was darauf schließen lässt, dass es mehrere Jahrzehnte lang vernachlässigt wurde. Es wurde zur gleichen Zeit und von derselben Firma gebaut wie das Schiff Nostromo aus Alien.
„Der Corbelan ist industriell und zweckmäßig“, sagt Marshall. „Es ist, als würde man im Weltraum einen Traktor fahren.“
Um die Bewegungen der Corbelan so präzise wie möglich zu gestalten, wurde das Raumschiff kardanisch aufgehängt, um Flug, Absturz und Andockmanöver bestmöglich zu simulieren. „Der Bau eines kardanisch aufgehängten Sets veränderte alles radikal“, sagt Marshall. „Im Ruhezustand betrug die Höhe drei Meter, im Einsatz fünf Meter. Der technische Aufwand wurde um ein Vielfaches erhöht, da wir die Anforderungen der Spezialeffekte erfüllen mussten, um das Schiff zu schütteln und zu schaukeln.“
Details der Corbelan – Bedienfelder, Knöpfe und Bildschirme – sind exakt dieselben wie bei der Nostromo, da beide Raumschiffe von derselben Firma hergestellt werden und aus derselben Zeit stammen. Der Küchenbereich der Corbelan ist eine exakte Nachbildung der Küche der Nostromo: Tassen, eine kleine Kaffeemaschine und sogar Müsli sind vorhanden. Die von der Weyland-Yutani Corporation ausgegebene Taschenlampe aus „Alien“ taucht auch in „Alien: Romulus“ auf.
Die Renaissance ist eine stillgelegte Station, die aus zwei Modulen besteht: Romulus und Remus. Vom Design her ähnelt Remus optisch „Alien“ und Romulus „Aliens“. Die Sets wurden in vier Stufen gebaut und umfassten einen Wassertank, Aufzugsschächte, Raumschiffkorridore, ein Forschungslabor, eine Kryokammer, Schlafquartiere, eine Andockbucht und ein Genlabor.
Die Sets waren nicht nur riesig, sondern auch 360-Grad-Dreharbeiten möglich, sodass der Regisseur aus jedem beliebigen Winkel filmen konnte. „Wir konnten uns um 360 Grad drehen und alles filmen, was wir brauchten“, erklärt Marshall. „Fede war begeistert von dieser Freiheit, denn was man auf der Leinwand sieht, ist echt.“
Aus diesem Grund war die Koordination zwischen den Abteilungen unerlässlich. „Alles, was wir entwarfen, stimmten wir mit dem Grip-, Elektro-, Spezialeffekt- und Visual-Effects-Team ab“, sagt Marshall. „Dadurch konnten alle Sets realistisch wirken: Das Licht kommt aus den Lüftungsschlitzen, der Spezialeffekt-Rauch dringt durch alle Scheinwerfer, alle Knöpfe und Schalter funktionieren und blinken, alle Monitore waren echt und wurden live bedient.“
Eine der größten Herausforderungen auf der Leinwand war die Schwerelosigkeit. Es gibt eine Szene, in der drei Schauspieler die Ladebucht betreten und schwerelos in verschiedene Richtungen schweben, bevor die Schwerkraft einsetzt. Dies erforderte eine intensive logistische Zusammenarbeit von Stunt- und Rigger-Team, Produktionsdesignern und mehrere Tage Probenarbeit der Darsteller.
Da es bekanntermaßen schwierig ist, Schwerkrafteffekte richtig hinzubekommen, drängte Alvarez die Produktionsdesigner dazu, mehrere Möglichkeiten zu entwickeln, diese umzusetzen, insbesondere in der langen und komplexen Aufzugssequenz. Marshall erklärt: „Wir haben vier Aufzugsschächte in unterschiedlichen Größen und Querschnitten gebaut. Zwei waren horizontal, einer war nur innen mit einer beweglichen Wand dahinter, und der Hauptschacht war horizontal gebaut, wodurch die Schwerkraft auf eine andere Achse verlegt wurde, sodass die Kräfte anders wirkten.“
Marshall fährt fort: „Wir konnten mit praktischen Stunt-Rig-Schienen wie in der Schwerelosigkeit durch den horizontalen Schacht fliegen, um die Aufwärtsbewegung einwandfrei zu erzeugen.“
Barba erläutert die Beteiligung der VFX-Abteilung. „Die Schwerelosigkeit ist auch für uns eine heikle Angelegenheit“, sagt er, „besonders was den Xenomorph betrifft. Wir haben alles genutzt, was uns zur Verfügung stand, um die Illusion zu erzeugen: vertikal und horizontal gebaute Sets, Stunt-Rigs, CGI – im Grunde eine Kombination aller möglichen Techniken, um den Zuschauern das Gefühl zu geben, in der Schwerelosigkeit zu sein.“
Die Stuntabteilung des Films trainierte die Schauspieler wochenlang für diese Szenen, aber auch zusätzliche Drahtseilarbeit war nötig. Spike Fearn, der Björn spielt, erklärt: „Wir haben Fitnesstraining gemacht, um unsere Körpermitte zu stärken, und viele Proben absolviert. Aber es hat Spaß gemacht , mehrere Stunden am Tag herumzufliegen.“
Im Film suchen Rain, Tyler und Andy nach einem anderen Weg zum Aufzugsschacht, landen aber in einem riesigen Flur, in dem sich tote Wissenschaftler verstecken: der Bienenstock. „Es ist eine Mischung aus Architektur und Bühnenbild, die alles in sich vereint. Alles ist aus schwarzem Onyx und glänzt. Es ist eine Reminiszenz an den ursprünglichen Bienenstock in ‚Alien‘“, sagt Marshall.
Der Umfang der visuellen Effekte erstreckt sich über den gesamten Film, und ein Schwerpunkt lag auf der Gestaltung des Weltraum-Looks und der Außenansichten von Raumschiffen und der Raumstation. Das VFX-Team arbeitete eng mit Pro Machina Inc. zusammen, einem auf Miniaturproduktion spezialisierten FX-Studio.
Um das Gefühl von Klaustrophobie, rasender Spannung und Angst wirkungsvoll auf die Leinwand zu bringen, setzten Alvarez und Kameramann Galo Olivares speziell entwickelte Kameras ein, darunter eine Handkamera und eine Steadicam. Das Bühnenbild unterstützt Verwirrung und Desorientierung, indem es den schmalen Grat zwischen gewaltiger und aufwendiger Ausstattung und der Möglichkeit für den Regisseur, ein klaustrophobisches Gefühl zu erzeugen, beschreitet.
„Ziel war es, die Sets unglaublich detailliert und großartig zu gestalten, damit Fede aus jedem Winkel filmen kann. Gleichzeitig sollten sie aber auch gruselig und dicht sein, um unsere Handlung zu unterstützen“, sagt Marshall. „Selbst nachdem wir ein Set gebaut hatten, fügten wir oft eine niedrigere Decke oder Dekorationselemente hinzu, um die Schauspieler in die richtige Richtung zu zwingen. Ich liebe es, wenn Schauspieler die Sets zu ihren eigenen machen und sich sofort geerdet fühlen, wenn sie sie betreten. Das war mein Hauptziel: alles echt wirken zu lassen.“
Alvarez fügt hinzu: „Wir haben Techniken wiederbelebt, die seit Jahrzehnten nicht mehr verwendet wurden, und sind in den Futurismus der 80er Jahre eingetaucht. Das Leben in dieser Welt hat mir mehr Spaß gemacht als je zuvor. Wir freuen uns darauf, dem Publikum dasselbe immersive und hoffentlich spannende Erlebnis zu bieten.“
Für die Szene im Kryolabor mussten die Darsteller in 60 cm tiefem Wasser stehen, während das Eis schmolz, der Raum überflutet wurde und die Facehugger aus allen Richtungen angriffen. Die Kunstabteilung musste das Set speziell gestalten, um den Bedürfnissen der Techniker des Wētā-Workshops gerecht zu werden und ihnen die Möglichkeit zu geben, sich im Inneren zu verstecken, um die Kreaturen zu bedienen.
Alvarez brachte einige der bekanntesten visuellen Effekte und legendärsten Kreaturendesigner der Branche zusammen, um die Kreaturen auf „altmodische“ Art, aber mit einem neuen Dreh zu erschaffen. Die Kreaturen sind eine Mischung aus Prothesen und Animatronik, die von Puppenspielerteams gesteuert werden, was dem Film eine geerdete und düstere Atmosphäre verleiht. Zu diesen Mitarbeitern gehören Legacy Effects Supervisor Shane Mahan („Aliens“, „Jurassic Park“, „Fallout“) von der Firma Legacy Effects („Avatar: The Way of Water“), der zusammen mit seinen Partnern Lindsay MacGowan und J. Alan Scott alle Xenomorphs entworfen und erstellt hat; Wētā Workshop Creative Lead Richard Taylor („Black Panther: Wakanda Forever“), der für das Konzeptdesign der Facehugger-Kreaturen verantwortlich war, und Ben Fairless für die Waffenherstellung; und Alec Gillis („Aliens“, „Prey“) von Studio Gillis, der für die Chestburster- und Eiereffekte verantwortlich war. Gemeinsam machten sich diese talentierten Handwerker auf die Reise, um Alvarez‘ Vision klassischer praktischer Effekte zum Leben zu erwecken.
DER XENOMORPH (ALTEFFEKTE):
Der Xenomorph ist das perfekteste Exemplar im Universum und zugleich die ultimative Waffe. Er besitzt konzentrierte Säure als Blut, benötigt keine Nahrung und kann in jeder Atmosphäre überleben. Er hat eine skelettartige, humanoide Gestalt mit einem länglichen, zylindrischen Kopf und einem knöchernen Schwanz.
Der Xenomorph (oder Xeno) ist die endoparasitoide außerirdische Spezies, die als Titelantagonist der „Alien“-Reihe fungiert. Alvarez‘ Konzept für „Alien: Romulus“ bestand darin, bei der Erstellung auf Old-School-Effekte zurückzugreifen. Laut dem Legacy-Team wurden vier vollständige Xenos erstellt, wofür 80 Künstler mitwirkten, darunter Digitalkünstler, Konzeptkünstler, Formenbauer, Bildhauer, Maler und Robotikexperten. Alle arbeiteten nach allgemeinen Designkonzepten, die sie alle funktional machen.
Alvarez war es besonders wichtig, dass die Schauspieler die Möglichkeit hatten, mit einem voll funktionsfähigen animatronischen Xenomorph zu interagieren. „Fede wollte, dass die Oberflächen sehr rau und scharfkantig sind. Sie sollten sich wie die Haut eines Hais anfühlen; wer sie berührte, bekam Schnittwunden“, erklärt Shane Mahan.
Bei Legacy Effects war allen ein großes Anliegen, den Xeno wie im Originalfilm „Alien“ wirken zu lassen. Jeder der vier Xenomorphs erfüllte unterschiedliche Aufgaben. Der „Held“ des Xenomorphs ist eine lebensgroße, vollständig robotische Animatronik-Kreatur, etwa 2,40 Meter groß und sehr dünn. Es gibt auch eine leichtere Animatronik-Stabpuppe derselben Größe, die von einem einzelnen Darsteller bewegt wird und so schnellere und dynamischere Bewegungen ermöglicht.
Die anderen beiden Xenos sind animatronische Köpfe, die an einem Stuntanzug befestigt sind. Die Wirbeltier-Unterstruktur umfasst eine durchscheinende Kuppel mit durchscheinenden Paneelen in Armen und Beinen. Das Legacy-Team erklärt, dass in bestimmten Situationen das austretende Licht durch die Beine und Arme sichtbar ist, was dem Ganzen ein gitterartiges Aussehen verleiht: schlanke Taille, lange Gliedmaßen, sehr insektenartig.
Die meisten Sequenzen mit dem Xenomorph sind hybrid und bestehen aus vier Komponenten: Animatronik, Anzug, Bunraku (japanisches Puppenspiel) und CGI. Die Beweglichkeit von Bunraku, die Agilität eines Mannes im Anzug und die beeindruckende Schönheit der Animatronik verleihen diesem Xenomorph den Vorteil, gleichzeitig altmodisch und brandneu zu sein. „In der ersten Minute soll sich das Publikum einfach zurücklehnen und glauben, was es sieht, sich nicht um die Technik kümmern, sondern in die Geschichte eintauchen“, sagt Mahan. „Wenn das gelingt, haben wir unseren Job gemacht.“
Der Kokon, in dem die Xenos heranwachsen und später schlüpfen, hat eine durchscheinende Haut. „Es gibt einen Story-Punkt, in dem Elektrizität ihn beleuchtet und man ihn im Inneren sehen kann“, sagt Mahan. „Also haben wir ihn nachgebaut, indem wir einige der Requisitenkabel verwendet haben, die durch den Korridor verlaufen, und ein Gerät gebaut, das ihn von innen beleuchtet, während er noch ganz klebrig und eklig ist.“
DIE FACEHUGGERS (WĒTĀ-WORKSHOP):
Die legendären Facehugger kehren in „Alien: Romulus“ dank Richard Taylor, dem Kreativdirektor von Wētā Workshop, mit einigen Änderungen und in größerer Zahl als je zuvor zurück. Es gibt zwölf verschiedene Versionen von Facehuggern, die alle dieselbe Kreatur darstellen. Es gibt voll animatronische Facehugger, die Türen aufbrechen und programmiert werden können. Manche bewegen sich nur ein wenig, andere sind an fahrenden Fahrzeugen befestigt und wieder andere werden ferngesteuert und laufen mit Beinen über den Boden.
Der Facehugger ist ein Parasitoid, eine spinnenartige außerirdische Kreatur mit knochigen Fingern und menschlich aussehendem Fleisch sowie einer röhrenförmigen Zunge, die über den Mund in den menschlichen Wirt eindringt und einen Samen einpflanzt, der sich mit der DNA des Opfers verbindet und schnell wächst. Er hat keine Augen, verfolgt Menschen aber anhand ihrer Wärmesignatur (Körpertemperatur).
In einer Szene, in der Tyler und Björn im Kryolabor vor Dutzenden Facehuggern fliehen, steht Archie Renaux (Tyler) einem von ihnen gegenüber. „Ich hatte eine sehr nahe Begegnung mit einem Facehugger, bei der mir der Rüssel ein kleines Stück in den Mund gelangte“, sagt Renaux. „Sie sind wirklich sehr ekelhaft.“
Die Facehugger haben eine Silikonhaut, entweder eine Aluminium-Armatur im Inneren oder 3D-gedruckte Nylongelenke. Schauspielerin Aileen Wu, die Navarro spielt, drehte mehrere Tage mit der Kreatur. „Zuerst fand ich sie süß“, sagt sie. „Nachdem ich sechs Stunden lang einen an meinem Gesicht befestigt hatte, entschied ich, dass sie überhaupt nicht süß sind.“
Ein Joystick steuerte die acht Arme, den Schnabel und die Gelenke der vollanimatronischen Versionen, und Wētā schuf insgesamt über 70 Facehugger. An einem Punkt in der Geschichte taut der Raum auf, und viele von ihnen fallen ins Wasser, schwimmen herum und beginnen anzugreifen. Dafür steuerten sieben Puppenspieler über 20 Facehugger gleichzeitig.
Wētās Projektleiter Ben Fairless war für die Entwicklung des F44AA-Impulsgewehrs verantwortlich, einer fortschrittlichen animatronischen Waffe. Es besteht aus einem internen Rückstoßsystem und einer Gleitschiene, die mit einem Blasebalg verbunden ist, der aus einem Verdampfer im Inneren speist. Es erzeugt ein Mündungsfeuer, verfügt über ein interaktives Licht und einen Munitions-Countdown für jede abgefeuerte Kugel. Die Charaktere der Geschichte sind auf diese mächtige Waffe angewiesen, um sich gegen die Xeno und die Facehugger zu verteidigen.
DER CHESTBURSTER (STUDIO GILLIS):
Eine der ikonischsten Szenen in Ridley Scotts „Alien“ ist die Chestburster-Szene, für die die Kreatur ursprünglich vom großen Schweizer Surrealisten HR Geiger entworfen wurde. Alvarez wandte sich speziell an Alec Gillis, Inhaber des Studios Gillis, der an „Aliens“, „Alien 3“ und „Alien vs. Predator“ gearbeitet hatte, um die Chestburster- und Eiereffekte in „Alien: Romulus“ zu kreieren.
„Ich habe mir den ersten ‚Alien‘-Film wie alle anderen angesehen . Ich saß sogar neben James Cameron, und das war, bevor wir beide überhaupt in der Filmbranche arbeiteten“, sagt Gillis. „Fünf Jahre später war ich dann mit Jim am Set von ‚Aliens‘ und arbeitete für Stan Winston.“
Der Chestburster ist eine große, larvenartige außerirdische Kreatur, die von einem Facehugger in die Brusthöhle seines Wirtes implantiert wird. Nach der Reifung existiert er über die Brust des Wirtes.
Der Chestburster in „Alien: Romulus“ ähnelt dem Original sehr, weist jedoch einige Modifikationen auf. Er hat nun bewegliche Arme und ist beweglicher. „Ich finde, die Kreatureneffekte in ‚Alien‘ waren so revolutionär und bahnbrechend, dass es kaum Raum für Verbesserungen gab“, sagt Gillis. „Wir haben jedoch einige technische Neuerungen vorgenommen, ihm einen Farbwechseleffekt verliehen und ihn kleiner gemacht.“
Und der Chestburster glänzt ständig vor Schleim und Schmiere. Gillis, der am Set die meiste Zeit mit Blut und Schleim bedeckt war, verwendete Methylcellulose, ein Stärkeprodukt, das mit Wasser vermischt wurde, um klaren Schleim herzustellen. Dieser diente als Grundlage für alles, was die Designer auf die Kreaturen auftrugen, um ihnen ein glänzendes, nasses Aussehen mit der gewünschten Viskosität zu verleihen. Anschließend verwendete Gillis diese Grundlage, um Blut in verschiedenen Farben und Texturen herzustellen.
Die Legacy-Crew und Gillis sind sich einig, dass die geheime Zutat für jede Kreatur Ultraschleim ist. Er hat eine klare, superzähe Konsistenz, die Speichel, Schleim und andere Körpersekrete imitiert und die Kreaturen echt aussehen lässt. „Er enthält einen Zusatzstoff, der sehr zäh und feucht ist“, sagt Gillis. „Das geht auf ‚Aliens‘ zurück. Es ist Teil des typischen Kreaturen-Looks geworden: tropfender, zäher Schleim.“
Ein wahrhaft furchterregendes Kinoerlebnis
„Die Zeit ist gekommen. Bereiten Sie sich darauf vor, erneut in das Vakuum des Weltraums und all seine schrecklichen Unbekannten entführt zu werden“, sagt Produzent Ridley Scott.
Das Publikum wird erschreckt, gefesselt und bestens unterhalten, wenn „Alien: Romulus“ im August in die Kinos kommt. Produzent Michael Pruss sagt: „Ich bin mir sicher, dass das Publikum es zu schätzen wissen wird, dass wir einem klassischen Franchise eine moderne Note verleihen. Und hoffentlich werden sie sich zu Tode erschrecken.“
„Mein Ziel ist es, dass die Generation, die den Originalfilm gesehen hat, diesen Film liebt und dass diejenigen, die noch nie einen ‚Alien‘-Film gesehen haben, durch unseren Film in dieses unglaubliche Universum eingeführt werden“, sagt Regisseur, Co-Drehbuchautor und ausführender Produzent Fede Alvarez. „Bei jedem Horrorfilm möchte man, dass die Zuschauer Angst bekommen und ein Erlebnis haben, das ihnen den Atem raubt.“
„Wenn man sich die Version von etwas ansieht, das man selbst schon gemacht hat (was bei ‚Blade Runner‘ der Fall war), ist man immer etwas beunruhigt“, sagt Scott. „Aber ich fand, ‚Alien‘ braucht einen wirklich frischen Blick. Ich hatte drei von Fedes Filmen gesehen und wusste daher, was er kann. Und was mir gefiel, war, dass er junge Leute besetzte. Das war ein wirklich wertvoller Vorteil für das, was er tat, und ich wusste, dass er es kann. Ich war also vom ersten Tag an begeistert. Ich sagte: ‚Du hast hier einen großartigen Film.‘“
Über die Besetzung
CAILEE SPAENY (Rain), eines der vielversprechendsten jungen Talente Hollywoods, gab 2018 ihr Spielfilmdebüt an der Seite von John Boyega in Legendarys „Pacific Rim: Uprising“, nachdem sie mit 18 Jahren eine landesweite Talentsuche gewonnen hatte. Spaeny aus einer Kleinstadt in Missouri hinterließ im Herbst 2018 in zwei Studiofilmen großen Eindruck in Hollywood – in „Bad Times at El Royale“ von Fox und in der Ruth Bader Ginsberg-Biografie „On the Basis of Sex“ von Focus Features.
Im März 2020 gab Spaeny ihr Fernsehdebüt in der FX-Miniserie „Devs“, die von Alex Garland (Ex Machina) kreiert wurde. Später im selben Jahr trat Spaeny in Zoe Lister-Jones „The Craft: Legacy“ auf. Im April 2021 spielte Spaeny die Hauptrolle in HBOs „Mare of Easttown“ an der Seite von Kate Winslet und Evan Peters. Im Juli 2021 spielte Spaeny neben Zoe Lister-Jones in Daryl Weins „How it Ends“. Der Film feierte beim Sundance Film Festival 2021 Premiere und kam am 20. Juli 2021 auf Abruf und in ausgewählten Kinos heraus.
Im Jahr 2023 spielte Spaeny die Titelrolle im A24-Film „Priscilla“ neben Jacob Elordi unter der Regie von Sofia Coppola. Für ihre Rolle als Priscilla Presley gewann sie den begehrten Preis als beste Schauspielerin bei den Filmfestspielen von Venedig und wurde für einen Gotham und einen Golden Globe Award® als beste Schauspielerin nominiert. Im Jahr 2023 spielte Spaeny außerdem neben Kirsten Dunst und Wagner Moura in A24s „Civil War“ unter der Regie von Alex Garland, der weltweit über 100 Millionen Dollar einspielte und bis heute zu den umsatzstärksten Filmen von A24 zählt.
Spaeny produziert derzeit die Fortsetzung von „Knives Out“, „Wake Up Dead Man: A Knives Out Mystery“, in der er in einer Ensemblebesetzung mit Daniel Craig und Kerry Washington zu sehen sein wird.
DAVID JONSSON (Andy) , ein Star von morgen bei Screen International im Jahr 2023, spielte kürzlich die Hauptrolle in „Rye Lane“ für Searchlight Pictures, Drehbuch und Regie von Raine Allen-Miller. Der Film feierte seine Premiere beim Sundance Film Festival und wurde bei den BAFTA Film Awards als herausragender britischer Film nominiert. Er spielte außerdem eine Hauptrolle in dem Kurzfilm „Pray“, der beim London Film Festival gezeigt wurde.
Als nächstes wird Jonsson in Todd Komarnickis „God’s Spy“ zu sehen sein. Im Fernsehen spielte er die Hauptrolle in der BBC-Agatha-Christie-Adaption „Murder is Easy“. für die BBC unter der Regie von Lena Dunham. Er ist auch in „Deep State“ von Fox zu sehen. Zu seinen Theaterauftritten gehört „And Breathe“ (The Almeida), für den er bei den Black British Theatre Awards als bester Schauspieler ausgezeichnet wurde; „Mary Stuart“ (The Almeida/West End); und „Don Juan in Soho“ (Wyndhams).
ARCHIE RENAUX (Tyler ) wurde in Kingston upon Thames im Großraum London geboren. Er besuchte die Richard Challoner School, bevor er an der Londoner Schauspielschule The Unseen seine Ausbildung absolvierte. 2017 wurde er für den dystopischen Film „Zero“ unter der Regie von Faye Gilbert mit Moe Bar-El, Oliver Woolford und Anya McKenna-Bruce in den Hauptrollen gecastet. Sofort ergatterte er eine Gastrolle in der hochgelobten Amazon-Prime-Serie „Hanna“ von David Farr mit Esme Creed-Miles, Mireille Enos und Joel Kinnaman in den Hauptrollen.
Seine erste große Fernsehrolle ergatterte Renaux 2019 als Leo Day in der BBC-One-Miniserie „Gold Digger“ unter der Regie von Vanessa Caswill und David Evans. Neben ihm spielte er Julia Ormond und Ben Barnes. Renaux ist vor allem für seine Hauptrolle als Malyen „Mal“ Oretsev in der erfolgreichen Netflix-Serie „Shadow and Bone“ von Showrunner Eric Heisserer und ausführendem Produzenten Shawn Levy bekannt.
Im Februar 2024 spielte er neben Camilla Mendes in der romantischen Komödie „Upgraded“ (Amazon Prime). Demnächst ist er im BBC-Thriller „The Jetty“ zu sehen. Zu seinen jüngsten Filmen zählen außerdem „The Greatest Beer Run Ever“ (neben Russell Crowe, Bill Murray und Zac Efron) sowie „Catherine Called Birdy“ (Regie: Lena Dunham). Beide Filme feierten ihre Premiere beim Toronto Film Festival 2022. Zu seinen weiteren Filmen zählen „The Other Zoe“, Marvels „Morbius“ (Regie: Daniel Espinosa) und „Voyagers“ (Regie: Neil Burger) mit Lily-Rose Depp, Colin Farell und Tye Sheridan.
ISABELLA MERCED (Kay) ist eine hoch angesehene Schauspielerin, Sängerin, Tänzerin und Songwriterin mit mehreren hochkarätigen Projekten in Aussicht. Sie spielt die Rolle der Aza in „Turtles All the Way Down“ von New Line. Die von Kritikern gefeierte Verfilmung von John Greens New York Times-Bestseller ist jetzt auf Max zu sehen. Außerdem wird sie die Rolle der Hawkgirl in Warner Bros.‘ DC-Franchise „Superman: Legacy“ spielen.
Merced trat in der von der Kritik gefeierten HBO-Dramaserie „The Last of Us“ auf. Sie spielte die Rolle der Dina, ein freigeistiger Geist, dessen Hingabe zu Ellie (Bella Ramsey) durch die Brutalität der Welt, in der sie leben, auf die Probe gestellt wurde.
Zuletzt war sie an der Seite von Dakota Johnson und Sydney Sweeney in „Madame Web“ von Sony Pictures zu sehen, das auf den Marvel-Comics basiert. Kürzlich war sie als Julia in dem Spielfilm „Rosaline“ zu sehen, einer revisionistischen Romeo-und-Julia-Geschichte des 20. Jahrhunderts an der Seite von Kaitlyn Dever. Außerdem trat sie in Warner Bros.‘ Remake von „Vater der Braut“ mit Andy Garcia und Gloria Estefan auf, spielte neben Jason Momoa in dem Netflix-Original-Thriller „Sweet Girl“ und lieh Lucky Prescott in „Spirit Untamed“ von DreamWorks Animation ihre Stimme.
Zu Merceds weiteren aktuellen Arbeiten zählen Hauptrollen in „Dora und die goldene Stadt“ von Paramount Pictures, Hauptrollen im Netflix-Originalfilm „Let It Snow“ nach dem Bestseller von John Green, Hauptrollen in „Plötzlich Familie“ von Paramount Pictures neben Mark Wahlberg, Rose Byrne und Octavia Spencer, Hauptrollen neben Benicio Del Toro und Josh Brolin in „Sicario 3 – Der Soldat“ sowie Hauptrollen in „Transformers: The Last Knight“ von Michael Bay mit Mark Wahlberg, Anthony Hopkins und Josh Duhamel.
SPIKE FEARN (Björn) ist für seine dynamischen Darstellungen in Film und Fernsehen bekannt. Fearn hat kürzlich die Dreharbeiten zu „Ella McCay“ unter der Regie von James L. Brooks für 20th Century Studios abgeschlossen. Er teilt die Leinwand mit einem beeindruckenden Ensemble, darunter Emma Mackey, Jamie Lee Curtis, Woody Harrelson und Ayo Edebiri.
Zuvor war er in Charlotte Wells‘ „Aftersun“ zu sehen und spielte die Hauptrolle in Marley Morrisons beliebtem Film „Sweetheart“. Außerdem war er in der Amy-Winehouse-Filmbiografie „Back to Black“ zu sehen. für Sam Taylor-Johnson, neben Jack O'Connell und Eddie Marsan.
Im Fernsehen spielte Fearn die Hauptrolle in „Tell Me Everything“ für ITVX/HBO Max und trat in der Comedy-Dramaserie „Sneakerhead“ für Dave auf.
Seine Vielseitigkeit und seine überzeugenden Darbietungen machen ihn weiterhin zu einem herausragenden Talent in der Unterhaltungsbranche und er wurde in die prestigeträchtige Liste der Stars von morgen von Screen Daily aufgenommen. Er stammt aus Coalville, Leicestershire.
AILEEN WU (Navarro) ist eine chinesisch-kanadische Schauspielerin, Regisseurin, Autorin und Produzentin, die sich als einer der aufsteigenden Stars der Branche etabliert hat.
Wu ist eine versierte Bühnenschauspielerin und hat in zahlreichen Produktionen mitgewirkt, darunter ihr Off-Broadway-Debüt in der Smith Street Stage-Adaption „Lear: That Old Man I Used to Know“. Sie schrieb und inszenierte außerdem das chinesische Off-Broadway-Stück „Here's a Blue Morpho for You“, das im Rattlestick Theatre Premiere feierte. Zu ihren Produktionsarbeiten zählen der Theaterdokumentarfilm „Hamlet: Rehearsed“ sowie der preisgekrönte Kurzfilm „Closing Doors“.
Wu ist Absolventin der renommierten Tisch School of the Arts der New York University und hat dort ihren Bachelor of Fine Arts erworben. Außerdem ist sie Absolventin des Stella Adler Studio of Acting.
Über die Filmemacher
Regisseur, Drehbuchautor und Produzent FEDE ALVAREZ (Regisseur/Co-Autor/Ausführender Produzent) ist ein uruguayischer Filmemacher, der für seine einfühlsame Herangehensweise an Filme bekannt ist. Alvarez erlangte internationale
Anerkennung mit seinem Regiedebüt, dem „Evil Dead“-Remake von 2013, für das er auch das Drehbuch schrieb. Der Film mit Jane Levy, Shiloh Fernandez und Lou Taylor Pucci landete auf Platz eins der Kinocharts.
Nach dem Erfolg seines ersten Films schrieb, inszenierte und produzierte er den erfolgreichen Genrefilm „Don’t Breathe“ mit Jane Levy, Stephen Lang und Dylan Minnette in den Hauptrollen. Der Film erhielt bei seiner Premiere begeisterte Kritiken, spielte weltweit über 157 Millionen Dollar ein und hinterließ mit seiner innovativen Erzählweise und den spannungsaufbauenden Szenen einen bleibenden Eindruck in der Horror-Community.
Alvarez produzierte und schrieb außerdem „Don't Breathe 2“ und später „Texas Chainsaw Massacre“ (2022), das auf Platz eins der Netflix-Top-10-Liste landete. Im Fernsehen kreierte, inszenierte und schrieb Alvarez die Apple TV+-Serie „Calls“, eine englische Adaption der gleichnamigen französischen Serie. In der Serie spielen unter anderem Aubrey Plaza, Riley Keough, Joey King und Pedro Pascal mit. Die Serie gewann einen Emmy® für herausragendes Motion Design und brachte Alvarez eine WGA-Nominierung für adaptierte Kurzfilme für neue Medien ein.
RODO SAYAGUES (Co-Autor) wurde in Montevideo, Uruguay, geboren, wo er auch aufwuchs. Sein Vater, ein bekannter Anwalt, und seine Mutter, eine Englischlehrerin, waren begeisterte Kunst- und Kulturkonsumenten und inspirierten ihre Kinder zu einer Vielzahl von Kunstformen – von klassischer Literatur und Musik bis hin zu Theater und Film.
Schon in jungen Jahren entwickelte Sayagues eine Leidenschaft für Kino und Musik. Er studierte klassische Gitarre und schließlich moderne Musik. Er gründete mehrere Rockbands, mit denen er bis ins frühe Erwachsenenalter spielte und eine Karriere in der lokalen uruguayischen Musikszene machte.
Die Musik prägte seine Freundschaft mit seinem langjährigen kreativen Partner Fede Alvarez. Bald entdeckten sie ein gemeinsames Interesse jenseits der Musik und begannen, mit einer einfachen VHS-Kamera selbstgemachte Kurzfilme zu drehen. Seine beiden Leidenschaften verschmolzen schließlich, und er begann, Musikvideos für lokale Rockbands und mit der Zeit auch für bekanntere uruguayische Musiker zu drehen. Das Filmen, einst ein Hobby, gewann in seinem kreativen Leben an Bedeutung.
Bis 2007 führte Sayagues Regie bei Werbespots auf dem uruguayischen Markt und erhielt dafür mehrere Auszeichnungen. Gleichzeitig drehten er und Alvarez weitere Kurzfilme, für die sie zahlreiche lokale und internationale Preise gewannen.
Im November 2009 wurde „Panic Attack“ auf YouTube hochgeladen und verbreitete sich innerhalb weniger Tage wie ein Lauffeuer. Der Kurzfilm erregte die Aufmerksamkeit des gefeierten Filmemachers Sam Raimi, der Sayagues und Alvarez einen Vertrag anbot. Nach ihrem Umzug nach Los Angeles begannen sie mit der Arbeit an einer Neuinterpretation des Kult-Horrorklassikers „Evil Dead“ (Sony). Der Film feierte seine Premiere auf dem SXSW Film Festival, wurde von der Horror-Kritik hoch gelobt und wurde ein Kassenschlager mit einem weltweiten Einspielergebnis von 100 Millionen Dollar.
Das Team kam 2016 für „Don’t Breathe“ (Sony) wieder zusammen. Der Film war ein Riesenerfolg, spielte weltweit 160 Millionen Dollar ein und wurde zu einem Kultklassiker.
Sayagues und Alvarez fanden während der COVID-19-Pandemie im Jahr 2020 einen Weg, ihrer Kreativität freien Lauf zu lassen. Während des Lockdowns konnten sie die Serie „Calls“ für Apple TV+ schreiben und produzieren.
Sayagues gab sein Regiedebüt mit „Don't Breathe 2“ (Sony), der lang erwarteten Fortsetzung ihres Hits aus dem Jahr 2016. Der Film lief außergewöhnlich gut, obwohl er während der COVID-19-Pandemie im August 2021 in die Kinos kam. 2021 fungierte er als Autor und Produzent für „Texas Chainsaw Massacre“ (Netflix).
RIDLEY SCOTT (Produzent) ist ein renommierter, für den Academy Award® nominierter Filmemacher, der für seine Arbeit an „Black Hawk Down“ (2001), „Gladiator“ (2000) und „Thelma & Louise“ (1991) mit Oscar®-Nominierungen als bester Regisseur geehrt wurde. Scott führte kürzlich Regie bei „The Last Duel“ (2021) mit Matt Damon, Ben Affleck und Jodie Comer sowie bei „House of Gucci“ (2021) mit Lady Gaga und Adam Driver. Er produzierte „A Haunting in Venice“ (2023) mit Kenneth Branagh, Jamie Dornan, Tina Fey und Michele Yeoh, „Death on the Nile“ (2022) mit Kenneth Branagh, Gal Gadot und Annette Bening sowie „Boston Strangler“ auf Hulu (2023) mit Keira Knightley, Carrie Coon und Chris Cooper. Zuletzt führte er bei „Napoleon“ mit Joaquin Phoenix und Vanessa Kirby Regie und befindet sich derzeit in der Postproduktion für die kommende Fortsetzung von „Gladiator“ mit Paul Mescal für Paramount und Universal Pictures.
1977 gab Scott mit „The Duellists“ sein Regiedebüt, für das er bei den Filmfestspielen von Cannes den Preis für den besten Debütfilm gewann. Es folgten der legendäre Science-Fiction-Thriller „Alien“ (1979) und der bahnbrechende Film „Blade Runner“ (1982), der 1993 in das National Film Registry der US Library of Congress aufgenommen wurde.
Zu seinen weiteren Filmen als Regisseur zählen „Der Marsianer“ (2015), der sieben Oscar®-Nominierungen, darunter für den besten Film, eine DGA-Award-Nominierung und sechs BAFTA-Nominierungen, darunter für die beste Regie, erhielt; „Exodus: Götter und Könige“ (2014) mit Christian Bale und Joel Edgerton; „The Counselor“ (2013) nach dem Drehbuch von Cormac McCarthy mit Michael Fassbender; der gefeierte Hit „Prometheus“ (2012) mit Michael Fassbender; „GI Jane“ (1997) mit Demi Moore und Viggo Mortensen; „Hannibal“ (2001) mit Anthony Hopkins und Julianne Moore; „Der Mann, der nie lebte“ (2008) mit Russell Crowe und Leonardo DiCaprio; „Robin Hood“ (2010), seine fünfte Zusammenarbeit mit dem Star Russell Crowe; „Alien: Covenant“ (2017), die Fortsetzung von „Prometheus“ und „All the Money in the World“ (2017) mit Mark Wahlberg und Michelle Williams.
Scott und sein verstorbener Bruder Tony gründeten 1967 die Werbeproduktionsfirma RSA. 1995 gründeten die Scott-Brüder die Film- und Fernsehproduktionsfirma Scott Free Productions. Zu den kommenden Projekten von Scott Free gehört „A Sacrifice“, ein Thriller von Jordan Scott mit Eric Bana und Sadie Sink in den Hauptrollen.
Im Fernsehen war Scott ausführender Produzent des Emmy®-, Peabody- und Golden Globe®-prämierten Hits „The Good Wife“ für CBS und dessen von der Kritik gefeiertem CBS All Access-Spin-off „The Good Fight“, der Serienadaption von Philip K. Dicks Klassiker „The Man in the High Castle“ für Amazon, der Anthologie-Serie „The Terror“ von AMC und Steven Knights düsterer Adaption des Charles Dickens-Klassikers „Große Erwartungen“ für FX/BBC1.
Im Jahr 2024 wurde Scott für seine Verdienste um die britische Filmindustrie mit dem Großkreuz des Ritterkreuzes ausgezeichnet. 2003 wurde er vom Order of the British Empire für seine Verdienste um die Künste zum Ritter geschlagen. Bei der jährlichen Gala der Organisation im Jahr 2016 erhielt er den 30. American Cinematheque Award, bei den Directors Guild of America Awards 2017 den Preis für sein Lebenswerk in der Filmregie und bei den BAFTA Awards 2018 die Auszeichnung als Oscar-Preisträger.
MICHAEL PRUSS (Produzent) arbeitet seit fast zwei Jahrzehnten in Hollywood, sammelte umfangreiche Erfahrungen sowohl als Studioleiter als auch als Produzent und arbeitete mit einigen der besten Filmemacher, Autoren und Schauspieler der Branche zusammen.
Pruss ist Leiter der Filmproduktion bei Scott Free, Ridley Scotts Produktionsfirma für Film, Fernsehen und Werbung. Kürzlich schloss er die Produktion von „Gladiator II“ ab. Regie führte Ridley Scott, in den Hauptrollen: Paul Mescal, Denzel Washington, Pedro Pascal und Connie Nielsen. Der Film wird im November 2024 von Paramount Pictures weltweit in die Kinos kommen.
Während seiner Zeit bei Scott Free hat er 14 Filme produziert, darunter den kommenden „Alien: Romulus“, den neuesten Teil der „Alien“-Reihe, dessen Drehbuch und Regie Fede Alvarez stammt und der im August 2024 von 20th Century Studios veröffentlicht wird. Pruss produzierte außerdem „A Sacrifice“, das von Jordan Scott geschrieben und inszeniert wurde und in den Hauptrollen Eric Bana, Sadie Sink und Sylvia Hoeks spielen. Der Film wird im Juni 2024 von Vertical Entertainment in die US-Kinos gebracht. Er war außerdem Produzent von Ridley Scotts Epos „Napoleon“ mit Joaquin Phoenix in der Hauptrolle sowie des gefeierten Krimidramas „Boston Strangler“ mit Keira Knightley in der Hauptrolle, das von Matt Ruskin für Hulu geschrieben und inszeniert wurde.
Zu den weiteren von Scott Free produzierten Filmen gehören „Our Friend“ von Gabriela Cowperthwaite, geschrieben von Brad Ingelsby, mit Jason Segel, Dakota Johnson und Casey Affleck in den Hauptrollen; „Earthquake Bird“ für Netflix, ein in Tokio spielender Thriller nach Susanna Jones‘ gleichnamigem Roman, mit Alicia Vikander, Riley Keough und Naoki Kobayashi in den Hauptrollen; „Equals“ von Drake Doremus für A24, mit Kristen Stewart und Nicholas Hoult in den Hauptrollen, der 2015 im Wettbewerb der Internationalen Filmfestspiele von Venedig Premiere feierte; und „American Woman“ von Jake Scott mit Sienna Miller in der Hauptrolle.
Pruss befindet sich derzeit in der Postproduktion von „Trap House“, einer Actionkomödie mit Dave Bautista in der Hauptrolle. Regie führt Michael Dowse, finanziert von Amazon Studios und Signature Entertainment. Aktuell produziert er „Echo Valley“ mit Julianne Moore und Sydney Sweeney in den Hauptrollen und unter der Regie von Michael Pearce für Apple Studios. Der Film soll im April 2025 in die Kinos kommen. Auch für Kristen Stewarts Regiedebüt „The Chronology of Water“ mit Imogen Poots in der Hauptrolle, einer Adaption von Lidia Yuknavitchs gleichnamigen Memoiren, laufen die Vorproduktionen.
Vor seiner Position bei Scott Free arbeitete er als Vizepräsident für Produktion bei Indian Paintbrush und beaufsichtigte den Erwerb von Drake Doremus ‘ mit dem Sundance Grand Jury-Preis ausgezeichnetem Film „Like Crazy“ mit Felicity Jones und dem verstorbenen Anton Yelchin in den Hauptrollen, der 2011 von Paramount Pictures veröffentlicht wurde. Pruss war Co-Produzent des Nachfolgefilms des Regisseurs, „Breathe In“ mit Guy Pearce und Felicity Jones in den Hauptrollen.
Er begann seine Karriere 2005 bei Steven Spielbergs Firma DreamWorks und arbeitete dann bei Paramount Pictures als Produktions- und Entwicklungsassistent, bevor er 2007 als Kreativdirektor zu Focus Features wechselte. Während seiner Zeit bei Focus arbeitete Pruss an Projekten wie Gus Van Sants Oscar®-gekröntem „Milk“ mit Sean Penn in der Hauptrolle, „The American“ mit George Clooney in der Hauptrolle und unter der Regie von Anton Corbijn sowie dem Animationsfilm „Coraline“ von Henry Selick.
Pruss ist in London geboren und aufgewachsen. Er ist Fulbright-Stipendiat des Jahres 2003 und hat einen erstklassigen Abschluss in englischer Literatur und Theaterwissenschaften vom Royal Holloway, University of London, sowie einen MFA in Film- und Fernsehproduktion von der Chapman University in Südkalifornien.
Vor seiner Arbeit an „Alien: Romulus“ war BRENT O’CONNOR (Ausführender Produzent) ausführender Produzent von „Lift“ mit Kevin Hart für Netflix. Er war ausführender Produzent von „Bullet Train“ (Regie: David Leitch) mit Brad Pitt in der Hauptrolle. Er war ausführender Produzent von „Venom“ für Sony, seinem zweiten Tom-Hardy-Projekt. Er war ausführender Produzent des Roland-Emmerich-Actionfilms „Midway“ und des Lionsgate-Projekts „Power Rangers“.
O'Connor war für Legendary Entertainment ausführender Produzent von „Warcraft“ und „Seventh Son“ mit Jeff Bridges und Julianne Moore. Er war ausführender Produzent der Actionkomödie „Das gibt Ärger“ (2012) mit Reese Witherspoon und Tom Hardy, des Familienabenteuers „Cats and Dogs 2“ (2010) und der Komödie „Get Smart“ (2008) mit Steve Carrell und Anne Hathaway. 2007 war er ausführender Produzent der Filme „Akte X“ (2007) mit David Duchovny und Gillian Anderson sowie „Wir sind Marshall“ (2008) mit Matthew McConaughey.
Zu seinen weiteren Filmen zählen der Thriller „Firewall“ (2006) mit Harrison Ford und Paul Bettany, der Actionthriller „Elektra“ (2005) mit Jennifer Garner und das Familienabenteuer „Scooby-Doo 2: Die Monster sind los“ (2004). Als Co-Produzent war er unter anderem für „K-19: The Widowmaker“ (2006) mit Harrison Ford und Liam Neeson und „Bulletproof Monk“ (2007) mit Chow Yun Fat und Seann William Scott verantwortlich.
Zu Beginn seiner Karriere war O'Connor Produktionsleiter bei verschiedenen Spielfilmen, darunter dem Arnold Schwarzenegger-Thriller „The 6th Day“, der komödiantischen Komödie „Rat Race“ mit Cuba Gooding Jr., Whoopi Goldberg, John Cleese und Rowan Atkinson, Gus Van Sants Oscar®-gekröntem „Good Will Hunting“ mit Matt Damon, Robin Williams und Ben Affleck sowie „Sieben Jahre in Tibet“ mit Brad Pitt. Zu seinen weiteren Produktionsleitern zählen „Eye See You“, „Jumanji“, „Deep Rising“, „Disturbing Behavior“ und „Andre“.
TOM MORAN (Ausführender Produzent) ist Senior Vice President bei Ridley Scotts Scott Free Productions. Zu seinen bisherigen Produktionsprojekten zählen Tony Scotts „Unstoppable“, der fesselnde Science-Fiction-Krimi „Phoenix Forgotten“ und Liam Neesons „Mark Felt“. Während seiner Zeit bei Scott Free wirkte Moran an zahlreichen Filmen mit, darunter „Die Entführung der U-Bahn Pelham 123“, „Déjà Vu“, „Domino“, „Man on Fire“ und „Spy Game“. Neben seiner Filmarbeit produzierte Moran auch „Killing Jesus“ und „Killing Kennedy“ für die Fernsehabteilung von Scott Free Productions.
Zu Morans kommenden Filmprojekten gehören Sydney Sweeneys „The Official Mistress“ und „The Donut King“, basierend auf der gefeierten Dokumentation. Wenn Moran nicht gerade unermüdlich Autoren und aufstrebende Geschichtenerzähler unterstützt, ist er trotz seiner Leidenschaft für die Rockets oft am Spielfeldrand bei Lakers-Spielen anzutreffen.
GALO OLIVARES (Kamera) ist ein mexikanischer Kameramann, der für seine Zusammenarbeit mit Regisseur Alfonso Cuarón bei „Roma“ bekannt ist, der mit einem Oscar® für die beste Kameraführung und den besten fremdsprachigen Film ausgezeichnet wurde. Er drehte außerdem „Gretel & Hänsel“ von Oz Perkins und „El Vigilante“ von Diego Ros.
NAAMAN MARSHALL (Produktionsdesign) ist ein in Los Angeles ansässiger Produktionsdesigner, der seit über zwei Jahrzehnten im Geschäft ist. Er begann im Jahr 2000 in der Kunstabteilung von „Mission: Impossible II“ und stieg 2006 zum stellvertretenden Art Director von „Mission: Impossible III“ auf. Danach war Naaman als Art Director für „Apocalypto“, „The Dark Knight“, „Transformers: Die Rache“ und „John Wick 3“ tätig.
Später war er Produktionsdesigner für „The Visit“ für Universal, „Don’t Breathe“ für Screen Gems, „Stuber“ und „Underwater“ für 20th Century, „Mortal Kombat“ für Warner Bros. und „Old“ für Universal.
Naaman hat kürzlich zusammen mit Regisseur M. Night Shyamalan für Universal „Knock at the Cabin“ entworfen.
Der aus London stammende und für den Oscar® nominierte Herausgeber JAKE ROBERTS, ACE (Schnitt) hat in seiner fast 30-jährigen Karriere beeindruckende Auszeichnungen und Ehrungen gesammelt. Besonders hervorzuheben ist Roberts‘ Arbeit an David Mackenzies „Hell or High Water“, der bei den Filmfestspielen von Cannes Premiere feierte und fast 200 Nominierungen und über 40 Auszeichnungen erhielt. Darunter waren Nominierungen für den besten Schnitt bei den Academy Awards®, ACE Awards und Indie Spirit Awards, allesamt für Roberts‘ Arbeit an dem gefeierten Krimi-Thriller.
Roberts verfügt über umfangreiche Erfahrung sowohl im Spielfilm- als auch im Fernsehbereich. Zu seinen bekanntesten Filmen zählen „Citadel“ (Regie: Ciarán Foy, 2012), der beim SXSW Film Festival den Publikumspreis gewann; „Brooklyn“ (Regie: John Crowley, 2015), der in Sundance Premiere feierte und als bester Film nominiert wurde; „Outlaw King“ (Regie: David Mackenzie, 2018) von Netflix, der beim TIFF Premiere feierte; und „Men“ (Regie: Alex Garland, 2022) von A24, der bei den Filmfestspielen von Cannes gezeigt wurde. Im Fernsehbereich hat Roberts für Hulus „Devs“ (Regie: Alex Garland, 2020) und BBCs „Skins“ (Regie: Bryan Elsley, 2013) geschnitten, das für einen BAFTA als beste Dramaserie nominiert wurde.
Zuletzt schnitt Roberts eine Folge von „Hunters“ (Regie: David Weil, 2023) für Monkeypaw Productions und Amazon Prime sowie „Civil War“ von Alex Garland und A24.
Der für den Golden Globe®, den BAFTA, den zweifachen GRAMMY Award®, den Emmy Award® und den fünffachen World Soundtrack Award nominierte Komponist BENJAMIN WALLFISCH (Musik von) hat an über 80 Spielfilmen mitgewirkt und mit Regisseuren wie Ron Howard, Ted Melfi, Andy Muschietti, Christopher Nolan, David F. Sandberg, Leigh Whannell, Gore Verbinski und Denis Villeneuve zusammengearbeitet. Sein jüngstes Projekt ist „Kraven the Hunter“ unter der Regie von JC Chandor, das im Herbst 2024 in die Kinos kommt.
Als Absolvent der Royal Academy of Music in London und unter der Leitung von Dario Marianelli und Hans Zimmer zählen zu seinen bemerkenswerten Projekten „ES“ und „ES: Kapitel 2“, „Blade Runner 2049“ (mit Hans Zimmer), „Shazam!“, „Der Unsichtbare“, „Mortal Kombat“, „Dreizehn Leben“, „The Flash“, „A Cure for Wellness“, „Annabelle: Creation“, „King of Thieves“, „Hidden Figures“ (mit Pharrell Williams und Hans Zimmer) sowie Musik basierend auf Elgars Enigma-Variationen für „Dunkirk“.
Wallfisch hat weltweit über 100 Konzerte live gegeben und Orchester wie das London Philharmonic, Philharmonia, Los Angeles Philharmonic, Los Angeles Chamber Orchestra und das Sydney Symphony Orchestra an verschiedenen Orten dirigiert, darunter im Hollywood Bowl, im Sydney Opera House und in der Royal Festival Hall. Er ist Mitglied der Academy of Motion Pictures Arts and Sciences und der BAFTA sowie Associate der Royal Academy of Music. 2019 gründete er The Scoring Lab, eine hochmoderne Produktionsfirma für Filmmusik und ein Dolby Atmos-zertifiziertes Mischstudio im Herzen von Santa Monica, Kalifornien.
ERIC BARBA (Visual Effects Supervisor) ist ein Oscar®- und BAFTA-prämierter Visual Effects Supervisor. Nach seinem Abschluss am Art Center College of Design in Pasadena wurde er für das neue Visual Effects-Team von „SeaQuest DSV“ angeworben. Die ersten drei Jahre arbeitete er an „SeaQuest“ und anderen Fernsehserien für Amblin und Universal. Das kleine Team erhielt den Namen Amblin Imaging und entwickelte sich schnell zu einem der führenden Anbieter für visuelle Fernseheffekte bei Universal.
Nach Amblin Imaging wechselte Barba zum jungen Digital Domain. Dort nutzte er seine Fähigkeiten in Kunst und Design, um der Werbeabteilung zu helfen, ein dominierender Akteur in der Werbewelt zu werden. Während seiner Zeit in der Werbeabteilung lernte er seinen zukünftigen Mentor David Fincher kennen. Fincher brachte ein Projekt nach dem anderen in Barbas kleines Werbeteam und baute es auf, um Finchers Filme in den Schatten zu stellen. Es waren Fincher und sein junger Schützling Joseph Kosinski, die Barba in die Welt der visuellen Effekte für Spielfilme einführten. Sein erster großer Film „Der seltsame Fall des Benjamin Button“ brachte Barba einen Oscar®, einen BAFTA und zwei Visual Effects Society Awards ein. Nach „Button“ stellte er ein Team zusammen, das Kosinskis „Tron: Legacy“ betreute.
Während seiner fast 20-jährigen Tätigkeit bei Digital Domain arbeitete er sich vom Digital Artist und CG-Supervisor über den Visual Effects Supervisor/Creative Director bis hin zum Chief Creative Officer hoch. Barba war mit der Leitung der täglichen kreativen Produktion, der Entwicklung der künstlerischen Designstrategie und der internen Pipeline für Spielfilm- und Werbeprojekte beschäftigt und arbeitete mit dem VP of Features an der Strategie, Filmemachern und Studios neue Technologien näherzubringen.
2016 wurde Barba nach seiner langjährigen Tätigkeit bei Digital Domain abgeworben, um als Creative Director und Visual Effects Supervisor zum jungen ILM-Studio in Vancouver bei Industrial Light & Magic zu wechseln. Barba beaufsichtigte alle Projekte des Studios und arbeitete eng mit der Leitung der weltweiten ILM-Studios zusammen. Er war auch maßgeblich an der Rekrutierung und dem Ausbau des Studios beteiligt, um alle VFX-Aufgaben bewältigen zu können. Ein anderer Regisseur, Tim Miller, bat ihn, seinen zweiten Film „Terminator: Dark Fate“ zu drehen. Um „Terminator: Dark Fate“ fertigzustellen, kehrte Barba nach Los Angeles zurück, wo er derzeit als völlig unabhängiger VFX Supervisor arbeitet.
Neben seiner Arbeit als Spielfilmleiter betreute Barba die Effektarbeit für Dutzende von Werbespots, darunter für Nike, Heineken und Microsoft Xbox/Epic Games. Er leitete Werbekampagnen für American Express, Cingular, Honda, Jaguar und Nike. Seine Werbespots wurden mit acht AICP Awards, drei Gold Clio Awards und zwei Bronze Clio Awards ausgezeichnet. Er ist Mitglied der Visual Effects Society und der Academy of Motion Picture Arts & Sciences.
CARLOS ROSARIO (Kostümbildner) wurde im französischen Perpignan als Kind spanischer Eltern geboren. Sein Talent für Mode und Design wurde schon früh erkannt, und mit 18 Jahren wurde er an der renommierten Ecole Superieure de la Mode (ESMOD) in Paris aufgenommen. Während seines Modestudiums arbeitete er mit vielen seiner persönlichen Idole, darunter Vivienne Westwood, sowie mit aufstrebenden Designern wie Corinne Cobson.
Auch die Pariser Modeelite wurde auf Rosario aufmerksam. 1994 wurde er als Assistenzdesigner bei Christian Dior Homme ausgewählt und half bei der Gestaltung der Kollektion „Cent Ans de Cinéma“ (100 Jahre Kino), die im historischen Marigny-Theater im Beisein der französischen Filmgrößen Jean-Claude Brialy und Lambert Wilson präsentiert wurde. Darüber hinaus beauftragte das Haus Chanel Rosario als Vertreterin der Pariser Modestudenten, Karl Lagerfeld an der renommierten Sorbonne-Universität über sein Leben in der Modebranche zu interviewen.
Nachdem er sich in der europäischen Modebranche etabliert hatte, beschloss Rosario, seiner Leidenschaft für das Kino nachzugehen. Er kam 1995 nach Los Angeles und wurde sofort von einer seiner Mentorinnen, der vierfachen Oscar®-Preisträgerin Colleen Atwood, eingestellt. Rosario arbeitete mit Atwood als Teil ihres Designteams an zahlreichen Filmen zusammen, darunter „Sleepy Hollow“, „Chicago“, „Eine Reihe betrüblicher Ereignisse“ und „Planet der Affen“.
Rosario arbeitete mehrere Jahre als Kostümbildassistent an Spielfilmen wie „Walk the Line“ und „Tron: Legacy“. Danach machte seine Karriere als Kostümbildner einen weiteren Sprung nach vorne. Er war Kostümbildner bei „A Proper Send-Off“ von Eva Longoria, „Boulevard“ mit Robin Williams, Kathy Baker und Bob Odenkirk, Michael Bays TNT-Fernsehserie „The Last Ship“ und „Runner, Runner“ mit Justin Timberlake und Ben Affleck.
2015 engagierte Fede Alvarez Rosario als Kostümbildnerin für „Don’t Breathe“. Der Film wurde in Budapest gedreht und war im Sommer 2016 ein Riesenerfolg an den Kinokassen. Anschließend ging Rosario nach Chicago, um die Kostüme für die Pilotfolge von „APB“ unter der Regie von Len Wiseman zu entwerfen, die von Fox übernommen wurde. Anschließend arbeitete Rosario mit Regisseur Brad Anderson an zwei Projekten, die in Marokko gedreht wurden: „Beirut“, ein Politthriller von Tony Gilroy mit Jon Hamm und Rosamund Pike in den Hauptrollen, und „The Brave“, ein Pilotfilm für NBC/Universal. 2017 arbeitete Rosario erneut mit Fede Alvarez an dem mit Spannung erwarteten „Verschwörung“ mit Claire Foy in der Hauptrolle. Der Film kam im November 2018 in die Kinos.
Bis 2020 hatte er Kostüme für zwei weitere Projekte entworfen: „Don't Breathe 2“ unter der Regie von Rodo Sayagues und produziert von Fede Alvarez, und „Jolt“, ein sehr stilisierter Thriller unter der Regie von Tanya Wexler mit Kate Beckinsale, Susan Sarandon, Stanley Tucci, Laverne Cox, Jai Courtney und Bobby Cannavale in den Hauptrollen.
Anfang 2021 beauftragten Showrunner Justin Marks und FX Network Rosario mit dem Kostümdesign für „Shogun“, eine zehnteilige Miniserie nach dem gleichnamigen Roman von James Clavell, der im Japan des 17. Jahrhunderts spielt. Für die Fertigstellung von „Shogun“ in Vancouver, Kanada, benötigte er über 16 Monate. Tausende Kostüme wurden in fünf verschiedenen Ländern entworfen und hergestellt. Die Premiere auf Hulu fand am 27. Februar 2024 statt.
Er hat in mehreren Ländern gearbeitet, darunter in den USA, Kanada, England, Marokko, Serbien, Ungarn, Bulgarien, Kroatien, Deutschland, Schweden und Frankreich, und spricht fließend Französisch, Spanisch und Englisch.
ZSUZSANNA SIPOS (Set Decorator) arbeitete zuletzt an „Dune: Part Two“. Für „Dune“ gewann sie 2021 einen Oscar®. Zu ihren weiteren Filmen zählen „Gemini Man“, „Blade Runner 2049“ und „The Last King“.
Zu ihren Fernsehauftritten zählen „Penny Dreadful“ und „Die Borgias“.
IVĀN POHĀRNOK (Prothetik-Make-up-Designer) leitet derzeit das Filmefex Studio, eine Spezialeffekt-Einrichtung, die für die Gestaltung und Erstellung von Effekten für die Filmindustrie zuständig ist. Zu den Spezialitäten des Unternehmens gehören die Kreation von Kreaturen, Puppen, Modellen sowie Spezial-Make-up und Kostümen oder Kombinationen davon.
Er hat im Laufe der Jahre an zahlreichen Film- und Fernsehprojekten gearbeitet, darunter „ Shadow and Bone“ (2010, Netflix), „The Witcher“ (2019, Netflix), „Barbarian“ (2019, Netflix), „Midsommar“ (2019, A24), „The Alienist – Die Einkreisung“ (2017, TNT), „The Terror“ (2018, AMC), „Blade Runner 2049“ (2017, Columbia), „Inferno“ (2016, Imagine), „Spectral“ (2016, Universal), „Don’t Breathe“ (2016, Sony), „Der Marsianer“ (2015, 20th Century Fox), „Spy“ (2015, 20th Century Fox), „300: Aufstieg eines Imperiums“ (2012, Warner Bros.), „Cloud Atlas“ (2012, Warner Bros.), „Alien vs. Predator“ (2004, 20th Century Fox), „Underworld“ (2003, Lakeshore) und „Last Samurai“ (2003, Warner Bros.) und zahlreiche andere.
Pohārnok studierte Industriedesign an der Ungarischen Hochschule für Angewandte Kunst und Bildhauerei an der Ungarischen Hochschule der Schönen Künste. Außerdem absolvierte er den Advanced Professional Make-up Course von Dick Smith.
GRAEME PURDY (Requisiteur) war als Requisiteur an einer beeindruckenden Reihe von Filmprojekten beteiligt, darunter: „The School for Good and Evil“, „Uncharted“, „Spider-Man: Far From Home“, „Aladdin“, „Jurassic World: Das gefallene Königreich“, „Transformers: The Last Knight“, „Assassin’s Creed“, „King Arthur: Legend of the Sword“, „Edge of Tomorrow“, „Sherlock Holmes: Spiel im Schatten“, „47 Ronin“, „Jane Eyre“, „Hellboy II“, „Königreich der Himmel“, „Black Hawk Down“, „Enigma“, „Gladiator“, „Ever After“, „First Knight“, „Hope and Glory“, „Spies Like Us“ und „Im Angesicht des Todes“.
Zu seinen Fernsehauftritten zählen: „Loki“, „Soldier, Soldier“, „Roughnecks“, „Die letzten Tage von Pompeji“, „The Nevers“ und „A Very British Coup“.
GÁBOR KISZELLY (Special Effects Supervisor) ist ein in Ungarn ansässiger Special Effects Supervisor und Special Effects Techniker. Zu seinen Arbeiten zählen Neil Blomkamps „Gran Turismo“, Shawn Levys „All the Light We Cannot See“, Yorgos Lanthimos‘ „Poor Things“, „Hellraiser“, „Don’t Breathe 2“, „6 Underground“, „Blade Runner 2049“, „Red Sparrow“, „Don’t Breathe“, „World War Z“ sowie die Serien „Shadow and Bone“, „The Witcher“ und „The Borgias“, für die er eine Nominierung für den Primetime Emmy Award® erhielt.
Nachdem er über zwei Jahrzehnte mit Stan Winston zusammengearbeitet hatte, gründete SHANE MAHAN ( Legacy Effects Supervisor ) zusammen mit seinen Kollegen Lindsay MacGowan, J. Alan Scott und John Rosengrant seine eigene Firma für praktische visuelle Effekte.
Seit seiner Gründung im Jahr 2008 war Legacy Effects an einer Reihe hochkarätiger Filme beteiligt und strebte dabei stets nach der perfekten Verbindung digitaler und praktischer Effekte. Miteigentümer Mahan spielte eine wichtige Rolle bei der Umsetzung praktischer Effekte in über 95 Filmen sowie bei Marvels ehrgeizigen Kinoprojekten. Zu diesen Filmen gehören Co-Supervisor oder alleiniger Supervisor bei „Iron Man“ (1–3), „Thor“, „Captain America: The Winter Soldier“ und allen vier „Avengers“-Filmen sowie Guillermo Del Toros „Pacific Rim“ und „Antlers“ unter der Regie von Scott Cooper.
Darüber hinaus hat er verschiedene Effekte für Filme wie „Avatar: Der Weg des Wassers“, James Gunns „The Suicide Squad“, den Oscar®-prämierten Film „The Shape of Water“ und viele mehr betreut. Zuletzt war die Arbeit von Mahan und Legacy in „Dungeons & Dragons: Honor Among Thieves“, Marvels „Guardians of the Galaxy: Volume 3“ und Zelda Williams‘ Spielfilmdebüt „Lisa Frankenstein“ zu sehen.
RICHARD TAYLOR (Kreativleiter des Wētā-Workshops) ist Mitbegründer der Wētā- Unternehmen und Miteigentümer des Wētā- Workshops, zusammen mit seiner Frau Tania Rodger, die ihr Unternehmen in ihrer Heimatstadt Wellington in Neuseeland gegründet haben.
Mit über 30 Jahren Erfahrung in der weltweiten Kreativbranche ist Taylor CEO und Kreativdirektor dieses preisgekrönten Unternehmens. Als leidenschaftlicher Kreativer im Herzen von Wētā Workshop arbeitet er täglich mit seinen Kollegen und Freunden aus den unterschiedlichsten künstlerischen und technischen Disziplinen zusammen. Mit 380 Mitarbeitern in sieben Geschäftsbereichen hat sich der Workshop zu einem vielseitigen, kreativitätsorientierten Unternehmen entwickelt.
Taylor hat fünf Oscars® in drei Disziplinen für Spezialeffekt-Make-up, visuelle Effekte und Kostümdesign gewonnen. Außerdem erhielt er vier BAFTAs, drei THEA Awards und über 35 nationale und internationale Auszeichnungen für seine Arbeit in der Kreativbranche. 2010 wurde er für seine Verdienste um die Filmbranche zum Ritter des NZ Order of Merit ernannt und zum neuseeländischen Unternehmer des Jahres gewählt. 2012 wurde er zum Neuseeländer des Jahres gekürt. Richard und Tania sind Schirmherren des Little Miracles Trust und engagieren sich stark in der Gemeinde Wellington, wo sie ihre Zeit für wohltätige Projekte und Initiativen einsetzen.
Wētā Workshop hat das Design und die physischen Effekte für mehr als 160 Filme, zahlreiche Fernsehsendungen und mehrere ortsbezogene Erlebnisse geliefert. Am bekanntesten ist das Unternehmen für seine Arbeit an den weltweit gefeierten Trilogien „Der Herr der Ringe“ und „Der Hobbit“ sowie an „Die Chroniken von Narnia“, „King Kong“, „Avatar“, „District 9“, „Ghost in the Shell“, „Mulan“, „Thor“ und „Black Panther“, um nur einige zu nennen.
Wētā Workshop betreibt außerdem beliebte Touristenattraktionen, ein digitales Spielestudio und produziert hochwertige Sammlerstücke. Das Unternehmen ist außerdem auf die Gestaltung und Herstellung ortsbezogener Besuchererlebnisse spezialisiert, darunter drei mit dem Thea Award ausgezeichnete Werke: die Ausstellung „Gallipoli: The Scale of Our War“, „Wētā Workshop Unleashed“, ein fantastisches Film-FX-Erlebnis, und „Aura: Forest at the Edge of the Sky“ (Haikou Duty-Free Mall). Taylor wurde in Blooloops Top 50 Immersive Influencer-Liste für 2022 und 2023 genannt. Wētā Workshop betreibt außerdem zwei Einzelhandelserlebnisse, und im Rahmen seines jüngsten Geschäftsvorhabens, das sich auf neue Produktionstechnologien konzentriert, hat das Unternehmen kürzlich mit zwei der größten Marken der Welt zusammengearbeitet, indem es für diese Unternehmen zukunftsorientiertes geistiges Eigentum geschaffen hat.
Richard und Tania sind außerdem Miteigentümer der Kinder-IP-Entwicklungs- und Fernsehproduktionsfirma Pukeko Pictures, die die preisgekrönten Fernsehsendungen „Jane and the Dragon“, „The Wot Wots“, „Kiddets“ und „Book Hungry Bears“ entwickelte und den Gerry-Anderson-Klassiker „Thunderbirds Are Go“ neu interpretierte. Gemeinsam mit seinem Geschäfts- und Kreativpartner Martin Baynton und in Zusammenarbeit mit seinem größten Investor Shambala hat Pukeko Koproduktionsbeziehungen mit China aufgebaut und die erste Koproduktion im Kinderfernsehen zwischen China und Neuseeland geschaffen.
Taylor hat mehr als 25 Jahre in China gearbeitet und dabei hoch angesehene Beziehungen zu lokalen und zentralen Behörden, Bildungseinrichtungen und der Kreativbranche aufgebaut und viele starke Geschäftskooperationen gefördert.
Er ist außerdem Gründungsmitglied des Vorstands von Magic Leap, einem Mixed-Reality-Technologieunternehmen mit Sitz in Florida. Gemeinsam mit Gründer Rony Abovitz arbeitet er seit über neun Jahren an der kreativen Entwicklung der Möglichkeiten dieser außergewöhnlichen Technologie. Taylor arbeitet derzeit mit Abovitz an einem neuen und äußerst spannenden Startup, das sich auf den Bereich der neuen Technologien konzentriert.
Richard und Tania sind außerdem Miteigentümer von Stardog LP, einem Unternehmen für bildende Kunst und geistiges Eigentum, das jungen Menschen in ihrem Team hilft, ihre eigenen kreativen Vorhaben zu verwirklichen.
ALEC GILLIS (Puppenspieler/Chestburster und Eiereffekte) wuchs in Kalifornien in der Nähe von Disneyland auf, wo er sich zeitlebens für Animatronik und Kreaturenfiguren interessierte. Er brach die UCLA Film School ab, als ihm klar wurde, dass die Arbeit bei Roger Corman die beste Filmschule war. Sein Mitfahrer James Cameron empfahl Gillis Stan Winston für die Mitarbeit an dem Film „Aliens“, für den Winston 1986 den Oscar® für visuelle Effekte erhielt.
Gillis war 1988 gemeinsam mit Tom Woodruff, Jr. Mitbegründer des Monstereffekt-Giganten Amalgamated Dynamics, Inc. (ADI). Die beiden arbeiteten an Filmen wie „Der Tod steht ihr gut“, „Tremors“, „Jumanji“, der „Predator“-Reihe, darunter „Prey“, „Starship Troopers“, „Santa Clause – Eine schöne Bescherung“, „ES“, „Godzilla: King of the Monsters“ und mehr.
Im Jahr 2023 gründete Gillis sein eigenes Charakter-FX-Studio namens Studio Gillis, wo er an Fede Alvarez' „Alien: Romulus“ arbeitete. Sein neues Unternehmen, Studio Gillis, arbeitet an mehreren streng geheimen Projekten, die es ihm ermöglichen, weiterhin unvergessliche Charaktere mit Spezialeffekten zum Leben zu erwecken. Studio Gillis befindet sich im San Fernando Valley, Kalifornien.
