28 Years Later (Special)

Inhalt & Pressenotiz

Der Oscar®-prämierte Regisseur Danny Boyle und der Oscar®-nominierte Drehbuchautor Alex Garland finden mit 28 YEARS LATER erneut zusammen und erzählen eine beängstigende neue Auteur-Horror-Geschichte, die in der Welt von „28 Days Later“ angesiedelt ist.

Es ist fast drei Jahrzehnte her, dass das Rage-Virus aus einem biologischen Waffenlabor entkommen ist, und noch immer gilt eine strikt verordnete Quarantäne. Einige Menschen haben Wege gefunden, inmitten der Infizierten zu existieren. Eine solche Gruppe von Überlebenden lebt auf einer kleinen Insel, die durch einen einzigen, stark verteidigten Damm mit dem Festland verbunden ist. Als einer der Bewohner die Insel verlässt, um in das dunkle Innere des Festlandes vorzudringen, entdeckt er Geheimnisse, Wunder und Schrecken und dass nicht nur die Infizierten, sondern auch die Überlebenden mutiert sind.

Die Regie führte Danny Boyle („28 Days Later“). Für das Drehbuch zeichnet Alex Garland („Civil War“) verantwortlich. Produziert wurde der Film von Andrew Macdonald, Peter Rice, Bernard Bellew, Danny Boyle und Alex Garland. Executive Producer ist Cillian Murphy.

In den Hauptrollen spielen Jodie Comer („The Bikeriders”), Aaron Taylor-Johnson („Kraven The Hunter“), Jack O’Connell („Back To Black“), Alfie Williams („His Dark Materials“), Ralph Fiennes („Konklave“) u.v.m.




Seit seinem Spielfilmregiedebüt mit Shallow Grave wird Danny Boyle als einer der innovativsten Filmemacher unserer Zeit und als wahrer Visionär anerkannt, der dafür bekannt ist, die Grenzen des Geschichtenerzählens zu erweitern. Mit 28 YEARS LATER hat er nun eine furchteinflößende und düstere Geschichte erschaffen, die sowohl bei Fans des wegweisenden Originals 28 Days Later Anklang finden wird als auch neue Zuschauer für die von ihm und Garland geschaffene Welt gewinnen kann.

Garland, selbst ein angesehener Regisseur, ist für seine zum Nachdenken anregenden Filme bekannt, und in 28 YEARS LATER hat er ein kompromissloses und spannungsgeladenes Drehbuch geschrieben, das diese Welt in elektrisierende und überraschende neue Richtungen führt. Er und Boyle haben erneut ein intensives und aufregendes Kinoerlebnis geschaffen, das das Publikum so noch nie erlebt hat.

Boyles einzigartige Vision wird durch seinen und den Einsatz des Kameramanns Anthony Dod Mantle im 2,76:1-Breitbildformat verstärkt, mit dem Ziel, ein immersives Gefühl zu erzeugen, während das Publikum in das vom Rage-Virus heimgesuchte Vereinigte Königreich zurückkehrt.


„Wir haben in diesem Film ein sehr breites Format verwendet“, sagt Boyle. „Wir dachten, wir könnten von dem Unbehagen profitieren, das der erste Film durch die Geschwindigkeit und die Dynamik, den unmittelbaren [Aspekt] der Darstellung der Infizierten, erzeugt hat. Wenn man ein Breitbildformat verwendet, könnten sie überall sein… man muss ständig scannen, um sich umsehen und wirklich nach ihnen suchen.“

Tatsächlich war Boyles Ziel bei 28 YEARS LATER, sowohl ein episches als auch ein immersives Gefühl zu erzeugen und neue Wege zu finden, die Infizierten darzustellen – während gleichzeitig die kleineren Momente der Charakterzeichnung im Fokus bleiben, die den Originalfilm zu einem Horror-Klassiker gemacht haben.



RITUALE DES ÜBERGANGS

Boyle und Garland führen uns in eine Welt, die 28 Jahre nach dem Ausbruch des Virus existiert, das das Vereinigte Königreich verwüstet hat. Die Gesellschaft musste von Grund auf neu aufbauen und neue Gemeinschaften bilden.

„Wir stellten uns vor, wie sich eine Welt nach einer Apokalypse neu gestalten würde, wenn alles – all die ‚Dinge‘ –, das uns umgab, nun irrelevant oder sogar nutzlos erscheint“, sagt Boyle. „Wie würde man sicherstellen, dass man die Dinge hat, die man unbedingt braucht, wie Nahrung und Brennstoff?“
28 YEARS LATER spielt teilweise auf Holy Island, einem tausend Acre großen Gebiet an der Nordostküste Englands, in einer kleinen Gemeinschaft, die sich eingeschlossen hat, um die Infektion fernzuhalten.

Diese enge, aber fragile Gemeinschaft wird durch einen Damm geschützt, der dazu beiträgt, für die Inselbewohner den Anschein eines sicheren Raums zu schaffen. „Die Insel und der Damm fühlten sich wie ein großartiger Ausgangspunkt für unsere Geschichte an“, erklärt Boyle, „weil der Damm verteidigt werden kann, wenn er durch die Gezeiten freigelegt wird. Eine Gemeinschaft könnte gedeihen. Statt eines postapokalyptischen Zustands sieht es aus wie eine Stadt aus der Wende zum zwanzigsten Jahrhundert. Aber das Festland wird dann zu einem Ort ‚da drüben‘, der sowohl Versprechen als auch Bedrohung bietet.“


Der Damm dient auch als Erinnerung an die eiserne Regel der Insel: Wenn man von einer Expedition auf das Festland nicht zurückkehrt, darf niemand nach einem suchen. Es gibt keine Suchtrupps oder Rettungsaktionen. Wie Boyle hervorhebt: „Mit dieser Art von Film können wir Charaktere erforschen, indem wir entscheiden, welche Regeln sie aufstellen und befolgen. Es hilft zu definieren, wie sie denken, was sie priorisieren und wer sie sind.“

Für Garland stammt diese Art von selbstgenügsamer Gesellschaft aus der globalen Reaktion auf die Infektion, die Großbritannien geplagt, den Rest der Welt jedoch weitgehend verschont hat. „Wir haben überlegt, wie die Infektion aussehen würde“, erinnert er sich. „Was passiert mit dem Land, das unter Quarantäne gestellt und im Grunde vom Rest der Welt im Stich gelassen wird?“


„Für diese Antworten muss man sich nur die reale Welt anschauen“, fährt er fort. „Es gibt eine Art rücksichtsloses, pragmatisches, jeder-gegen-jeden-Dimension, wie sich die Dinge entwickeln, wenn eine Nation zusammenbricht. Im Großen und Ganzen ignorieren die Menschen, die vom Zusammenbruch nicht betroffen sind, diesen einfach und gehen ihrem Leben nach.“

Diese Art von tiefgehender Auseinandersetzung mit sowohl globaler Politik als auch Horror sei eine potente Mischung, sagt Produzent Andrew Macdonald: „Wir wollten einen Film mit einer einzigartigen Art von epischem Ausmaß machen. 28 YEARS LATER zu verwenden, um dies zu erreichen, war sehr spannend. Es fühlte sich wie der perfekte Zeitpunkt an, um zu den Infizierten zurückzukehren.“

Gleichzeitig kümmern sie sich um Isla, die an einer schweren Krankheit leidet, deren Ursache noch nicht diagnostiziert wurde, da in dieser abgelegenen Gemeinschaft weder Ärzte noch moderne Medikamente vorhanden sind. Zusätzlich dazu, dass sie die Spannung und den Schrecken verstärken, konzentrierten sich Boyle und Garland darauf, diese Familie in den Mittelpunkt zu stellen. „Das gab uns die Möglichkeit, Charaktere und Beziehungen zu erforschen“, bemerkt Boyle. „Alex hatte diese Idee, die sich um eine Familie dreht. Es ist ein einfallsreiches Schreiben, auf eine Weise, die für alle Beteiligten aufregend war und uns das Gefühl gab, dass wir einen originellen Film machen und keine Fortsetzung.“


„28 YEARS LATER ist im Grunde eine Familiengeschichte“, bestätigt Garland. „Was passiert, wenn ein Familienmitglied krank wird – nicht infiziert, aber dennoch sehr schwer krank. Wie reagieren die anderen Familienmitglieder?“ Aaron Taylor-Johnson beschreibt Jamie und seine Reaktion auf das familiäre Trauma als „fehlbar und vielschichtig und versucht, die Dinge unter unglaublich herausfordernden Umständen zu bewältigen“.

„Alle auf der Insel haben sich an eine tribale Lebensweise angepasst, um sich vor den Schrecken auf dem Festland zu schützen“, fährt er fort. „Sie mussten sich in eine Überlebensweise einfügen.“

Diese Umstände werden verschärft, als Jamie sich mit Spike auf eine gefährliche Jagd nach Infizierten begibt. Gleichzeitig bietet das Ritual bedeutende Möglichkeiten für Vater-Sohn-Bindung. „Jamie schenkt seinem Sohn diese Momente, die sowohl mit Weisheit als auch mit Gefahr gefüllt sind“, erklärt Taylor-Johnson. „Es ist ein Übergangsritus, der Spike Unabhängigkeit ermöglicht. Es ist der Moment, in dem seine kindliche Unschuld zur Jugend übergeht.“


„Man sieht den Druck, den Jamie auf ihn ausübt, damit er ein bisschen schneller erwachsen wird, als er eigentlich sollte“, fährt Taylor-Johnson fort. „Er versucht, Spike die Werkzeuge zu geben, die er in dieser neuen Welt braucht. Jamie möchte, dass Spike seine Unabhängigkeit hat. Zwischen Vater und Sohn liegt so viel Herz und Seele.“

Spike, der nur mit Bogen und Pfeil bewaffnet ist, tötet seinen ersten Infizierten, und als Vater und Sohn zur Insel zurückkehren, wird Spikes Triumph auf einer prunkvollen Party gefeiert. Aber der freudige Anlass wird zu einem weiteren Moment von Angst und Wachstum, als Spike seinen Vater bei einer indiskreten Handlung erwischt.

„Jamie tut alles aus Liebe für seine Familie“, erklärt Taylor-Johnson. „Gleichzeitig ist er ein Mensch und macht Fehler. Aber alles, was Spike weiß, ist, dass sein Vater nicht länger sein Held … sein Alles ist. Das Vertrauen ist gebrochen, und all die Dinge, die Jamie Spike beigebracht hat, fallen zu Boden.“

Jamies Unüberlegtheit erhitzt den jungen Mann, der seiner kranken Mutter treu ergeben ist. Obwohl Isla größtenteils ans Bett gefesselt ist, ist die Verbindung von Spike zu ihr genauso stark, wenn nicht sogar stärker als zu Jamie. „Spike und Isla bieten einen echten Faden von Menschlichkeit und Emotionen, während sie in dieser unglaublich gefährlichen Situation zurechtkommen und überleben“, sagt Jodie Comer.


Islas Krankheit stärkt und prüft zugleich die familiäre Dynamik. „Sie ist ans Bett gefesselt, weil sie so krank ist“, erklärt Comer. „Isla ist oft verwirrt und kann keine Elternrolle übernehmen, was Spike dazu zwingt, diese Rolle einzunehmen. Es gibt auch eine Art unerwartete Verspieltheit und Albernheit zwischen Isla und Spike, die er mit seinem Vater nicht erleben kann. Sie bietet Spike etwas sehr anderes.
„Gleichzeitig“, fügt Comer hinzu, „hat Islas Krankheit ihre Ehe stark belastet. Dennoch waren Aaron, Danny und ich uns immer einig, dass es eine Beziehung war, die aus Liebe entstand, und dass Jamie das Beste für Isla will.“

Taylor-Johnson bestätigt: „Es passiert viel unter der Oberfläche zwischen Jamie und Isla. Ihre Beziehung ist von Traumata und Verleugnung geprägt, aber es gibt auch viel Liebe und Geschichte zwischen ihnen. Das Wichtigste, das sie verbindet, ist, dass sie Spike lieben und verehren.“


Diese Handlungselemente und Themen faszinierten Comer, die bereits mit der Welt, die Boyle und Garland in 28 Days Later geschaffen hatten, vertraut war. „Ich war so ein großer Bewunderer des ersten Films“, sagt sie.

„Was mich besonders beeindruckt hat, war das Element der Gefahr und der rote Faden von Menschlichkeit und Emotionen. Bei diesem neuen Film war ich besonders von der Entwicklung der Infizierten und davon beeindruckt, zu sehen, wie die Menschen auf der Insel leben, zurechtkommen und überleben.“
Comer schätzte auch die körperliche Verwandlung in eine geschwächte Figur, dank der Maskenbildnerin Flora Moody. „Wir haben Jodie verschwitzt und hart aussehen lassen – und es ist wirklich schwer, Jodie hart aussehen zu lassen!“ sagt Moody lachend. „Wir haben ihr alles gegeben, was wir sterblichen Menschen üblicherweise ertragen müssen, einschließlich Augenringe, gerötete Augen und eine graue Farbpalette.“


Während sich die Familiendynamik vertieft, weckt ein mysteriöses Feuer auf dem Festland Spikes Interesse und Vorstellungskraft und lässt ihn über die Möglichkeit nachdenken, dass dort ein Arzt lebt, der Isla heilen kann. „Also trifft er die Entscheidung, sie von der Insel zu bringen und zum Festland zu reisen, was der gefährlichste Ort ist, an den er Isla bringen könnte, aber gleichzeitig ist es ihre einzige Hoffnung“, erklärt Comer. „Von Anfang an muss Spike sie ehrlich führen und managen, und das ist eine schwere Bürde, die er zu tragen hat.“

Garland und Boyle griffen die Idee auf, eine junge Person zur Protagonistin des Films zu machen. „Danny mag Subversion“, sagt der Drehbuchautor, „und er weiß, dass es nicht den Genre-Konventionen entspricht, einen Jugendlichen in einem Film über ein tobendes Virus zur Hauptfigur zu machen. Tatsächlich gibt es mehrere Elemente in der Handlung, die ein wenig so sind – eine Untergrabung der Erwartungen.“

Der Neuling Alfie Williams, der sein Spielfilmdebüt gibt, nimmt die vielen Facetten und Komplexitäten von Spike an. Der junge Schauspieler genoss es, die Figur und ihre Transformation von einem unerfahrenen Krieger, der einer Generation angehört, die keine Zeit vor der Infektion kennt, zu einem mutigen und kreativen Beschützer zu erkunden.

„Als Spike mit Jamie aufs Festland reist, um seinen ersten Infizierten zu töten, weiß er, dass es zwar eine große Feier geben wird, es aber eigentlich ums Überleben geht“, sagt Williams. „Spike erkennt, dass das Leben auf der Insel nicht nur Sonnenschein und Regenbögen ist und dass es Infizierte gibt, die einen zerreißen können. Alles dient dazu, Spike stärker zu machen.
„Spike ist im Grunde ein normales Kind, das in einer sehr unnormalen Welt lebt“, fährt Williams fort. „Er liebt seine Mutter und seinen Vater und will einfach, dass sie wieder eine Familie sind, so wie früher, bevor sie krank wurde. Aber er muss einen Weg finden, sie zu retten, damit sie die Familie sein können, die sie waren, bevor sie krank wurde.“

Laut Boyle war dieses zweite Übergangsritual unvermeidlich. „Spike, wie die meisten Teenager, möchte hinaus in eine feindliche Welt“, sagt er. „Man könnte sich fragen, warum Spike aufs Festland gehen und alles riskieren möchte, wo er doch ein so schönes Zuhause auf der Insel hat. Aber so funktioniert die Welt nun mal. Natürlich will er auch seiner Mutter helfen.“

Hinter den Kulissen schätzte Boyle, wie Williams’ Filmvater den jungen Schauspieler unter seine Fittiche nahm: „Aaron liebte es, Verantwortung für Alfie zu übernehmen und sich um einen jungen Jungen zu kümmern, der alles zum ersten Mal erlebte“, sagt er. „Ich habe oft gesehen, wie Aaron Alfie das Atmen beibrachte und sicherstellte, dass er für eine Szene bereit war. Das andere Schöne dabei war, dass wir sahen, wie Alfie begann, Aaron in seiner Vorbereitung nachzuahmen.“



MEMENTO MORI

Das ist Latein und bedeutet "Erinnere dich an den Tod" – dass du sterblich bist und dass du eines Tages sterben wirst.
Es ist auch eine ständige Erinnerung an die Bedrohung durch die Infizierten und prägt die Weltanschauung des Arztes, die Spike und Isla suchen – Dr. Ian Kelson, gespielt vom Oscar-nominierten Ralph Fiennes, der sagt, Kelson sei vor allem „ein Überlebender“.

Ohne moderne Operationen und Medikamente hat Kelson einen faszinierenden alternativen Weg der Heilung gefunden, wie Fiennes erklärt: „Kelson hat einen Tempel als Denkmal für die Toten oder diejenigen, die Opfer der Infektion geworden sind, errichtet.“

Die Struktur ist ein kirchengroßes Gebäude, das vollständig aus menschlichen Knochen besteht: Oberschenkelknochen, Rippen, Hüftknochen … Schädel.
Dieses Knochen-Tempel ist also sowohl eine Hommage an die Toten – alle Toten – als auch ein Liebeswerk für Kelson. „Er hat die Tatsache des Todes akzeptiert – dass er so präsent ist“, fährt Fiennes fort. „Statt vor ihm wegzulaufen, so zu tun, als existiere der Tod nicht, oder in Angst davor zu leben, ehrt Kelson den Tod und die Toten. In gewisser Weise ist er eine eher geistliche Figur und ein Humanist.“ Kelson und sein atemberaubendes Denkmal bieten, sagt Boyle, „einen unerwartet wunderbaren Ort, an dem Spike und Isla Mitgefühl inmitten einer schrecklichen Bedrohung und einer erschreckenden Landschaft finden. Sie erfahren auch persönliches und professionelles Mitgefühl von Kelson, dem Arzt, der nur sehr wenige Mittel hat, um ihnen zu helfen, aber dennoch alles tut, um ihre Lasten zu erleichtern. „Zuerst denkt man bei Kelson: ‚Wer ist dieser seltsame Typ?‘“, fährt Boyle fort. „Dann beginnt man allmählich, seinen Tempel als ziemlich schön – und sehr ungewöhnlich für diese Art von Film – zu sehen. Man erwartet in diesen Sequenzen Blutvergießen, aber stattdessen übergeben wir es diesem eher wundersamen Denkmal für diejenigen, die verloren gegangen sind.“ Garland merkt an, dass Kelsons Sammlung der Knochen sowohl von Menschen als auch von Infizierten auf sein Mitgefühl hinweist. „Er unterscheidet nicht zwischen ihnen. Kelson ist ein Arzt, also sieht er sie alle als Menschen, von denen einige krank sind. Die Infizierten hören in seinem Denken nicht auf, Menschen zu sein.

Also baut Kelson eine Art Ossarium als Memento Mori für alle, die ihr Leben verloren haben. Es ist auch eine Art Kunstinstallation; er sammelt Körper und formt sie zu etwas, das strukturell bedeutungsvoll ist.“ Kelsons Knochentempel ist gleichermaßen beunruhigend und beeindruckend. Wie Produktions- und Kostümbildner Gareth Pugh erinnert: „Alles begann damit, dass Danny uns ermutigte, den Look weiterzutreiben und kein Fenster in eine parallele Welt zu schaffen, sondern einen Spiegel in unsere moderne Welt.“ Boyle, zusammen mit Pugh und dem ebenfalls als Produktions- und Kostümbildner tätigen Carson McColl, ließ sich zunächst von einer Covid-Gedenkwand in London und einem litauischen Hügel, übersät mit Tausenden von Kreuzen unterschiedlicher Größe, inspirieren. „Danny liebte es“, erinnert sich McColl an Letzteres. „Es fühlte sich neu und anders an und löste eine Suche auf dem britischen Land aus, die gleichermaßen besonders war.“ Nach der Besichtigung zahlreicher Orte fanden die Filmemacher ihren Standort für den Knochentempel in Redmire, einem Dorf und civil parish in North Yorkshire, „wo „wir alle haben etwas Besonderes gespürt“, fährt Carson fort. „An diesem Ort war etwas, das den Eindruck vermittelte, dass er schon seit sehr, sehr langer Zeit unverändert geblieben ist.“ Der Bau des einzigartigen Monuments war ein enormes Unterfangen, bei dem über 250.000 einzelne Nachbildungs-Knochen und 5.500 Schädel verwendet wurden. Der Bau des Knochen-Tempels dauerte nicht weniger als sechs Monate.

Während die Planung für den Tempel weiterging und lange bevor die Kameras überhaupt liefen, arbeitete Fiennes eng mit Boyle zusammen, um Kelson und seine Beziehungen zu Spike und Isla zu entwickeln. „Spike ist eine Schlüsselfigur von angeborenem und unschuldigem Gutsein und ein Leuchtfeuer der Möglichkeiten in einer Landschaft, in der alles ziemlich durcheinander ist“, kommentiert Fiennes. „Danny und Alex haben eine wunderbare Geschichte über das Potenzial entwickelt, Gutes zu tun, selbst unter den erschreckendsten Umständen.“ Fiennes arbeitete auch mit Pugh, McColl sowie Haar- und Moody zusammen, um Kelson und seine Umgebung weiter zu erforschen. „Besonders beeindruckt haben mich Gareth und Carsons Bilder des Knochen-Tempels „… und wir hatten wunderbare Gespräche über Kelson, seine Welt und seine Kleidung,“ erzählt Fiennes. „Eines von Kelsons charakteristischen Merkmalen ist, dass er sich mit Jod einreibt, das ein Schutzmittel gegen das Wut-Virus ist.

Kelson ist also mit rötlich-orangefarbenem Jod bedeckt, und dann haben wir entschieden, seinen Kopf zu rasieren, was wir für einen starken Look hielten. „Flora überlegte, wie Menschen aussehen, wenn sie keinen Zugang mehr zu Shampoo und Make-up haben,“ fährt Fiennes fort. „Wir wollten alle, dass die jodgeschützte Gestalt auffällig und schockierend aussieht.“ All das trägt dazu bei, dass Kelson einen unvergesslichen ersten Eindruck hinterlässt: Als Spike und Isla schließlich auf den abtrünnigen Arzt treffen, ist er unbekleidet, orange bemalt und hält eine improvisierte Blaspistole aus einem schmalen Kupferrohr, mit einer tödlichen Kombination aus Morphium und einem starken Beruhigungsmittel.




EINE NEUE GENERATION VON INFIZIERTEN

Achtundzwanzig Jahre nach dem Auftreten des Wutvirus – einer virulenten, durch Blut übertragbaren Infektion, die ihre Wirte in einen Zustand extremer, unkontrollierbarer Wut versetzt – sind neue Varianten aufgetaucht. Die daraus resultierenden Infizierten unterscheiden sich körperlich von denen, die wir bisher kennengelernt haben.

Die sogenannten „Slow-Lows“ sind fett, fleischig und langsam und bewegen sich auf allen vieren mit dem Bauch dicht über dem Boden fort. Dann gibt es noch die Infizierten der ersten Generation – diejenigen, die während der ersten schicksalhaften Wellen vor fast drei Jahrzehnten befallen wurden und deren Muskeln stark ausgeprägt sind, mit Adern, die in bizarren Knoten hervortreten. Die Kleidung, die sie bei ihrer Infektion trugen, ist längst zerfallen, sodass sie nackt und animalisch über das Festland streifen.

Die massigen Berserker oder Alpha-Infizierten sind die furchterregendsten von allen ... es ist, als würde das neu adrenalingeladene Wutvirus als hochkonzentriertes Steroid oder Wachstumshormon wirken. Noch beängstigender ist die Tatsache, dass sie nicht nur größer, sondern auch intelligenter sind. Ihre Waffe der Wahl: der Kopf eines menschlichen Opfers – mit der Wirbelsäule – den sie wie eine Art Peitsche schwingen.
Obwohl sich die verschiedenen Mutationen der Infizierten stark voneinander unterscheiden, wollte Moody etwas, das sie miteinander verbindet. „Ich habe mir eine visuelle Darstellung des Wutvirus ausgedacht, das im Herzen beginnt und sich über die Brust ausbreitet. Wir haben mit vielen verschiedenen Texturen, Formen und Farben gespielt und uns schließlich für ein grünliches Weiß entschieden, das zufällig die Farbe des Mooses ist, in dem sich die Infizierten versammeln. Man sieht diese Färbung auf ihrer Brust und denkt: Ja, sie sind infiziert. Und nackt.“

Für die am Boden lebenden Slow-Lows bedeckte der Supervisor für Spezialeffekte John Nolan den Leistenbereich mit Prothesen aus modellierten Genitalien und achtete dabei darauf, bestimmte Bereiche zu verdecken. Er beschreibt die degenerierten Infizierten noch detaillierter: „Die Slow-Lows sind vorne feucht, weil sie kein Sonnenlicht bekommen, sodass sie fast wie Schnecken aussehen. Sie können weder aufstehen noch sich umdrehen. Sie sind ziemlich seltsam, besonders in diesem Universum, denn in 28 Days Later rennen die Infizierten viel und mit hoher Geschwindigkeit. Die Slow-Lows fressen alles, was die anderen Infizierten übrig lassen. Sie haben schreckliche Zähne und saugen die Reste der anderen Infizierten auf. Also, ja, ziemlich eklig.“
Während der Produktion paraphrasierten Boyle und Nolan bei der Definition der Infizierten eine Dialogzeile aus Jurassic Park. „Wir wollten zeigen, wie sie sich entwickelt haben, denn ‚die Natur findet immer einen Weg‘, sich weiterzuentwickeln“, bemerkt Boyle. „Sie hört nicht auf, egal wie hässlich, abstoßend oder sogar schön der Prozess ist.

Mit diesem Film haben wir die Veränderung beschleunigt, denn seit der ersten Infektion sind erst 28 Jahre vergangen, was in evolutionärer Hinsicht nur ein Wimpernschlag ist. Wir komprimieren den Prozess und treiben ihn voran. Aus den Infizierten entstehen verschiedene Elemente. Es gibt sogar Familien innerhalb ihrer Reihen, und es bilden sich Gruppierungen.“

Die verschiedenen Arten von Infizierten haben spezifische Verhaltensweisen, die von Bewegungstrainer Toby Sedgwick überwacht wurden, der seinen Prozess wie folgt erklärt: „Es war meine Aufgabe, den Schauspielern beizubringen, wie sie sich bewegen und zu einem der Infizierten werden müssen. Ich habe alle durch verschiedene Spannungsstufen geführt, denn diese Krankheit verursacht immense Anspannung, die wiederum zu diesen scharfen, unberechenbaren und unvorhersehbaren Bewegungen führt. Selbst wenn sich die Infizierten vorwärts bewegen, sind sie überall zu finden. Sie wollen sich nicht unbedingt vorwärts bewegen, aber die Infektion treibt sie voran.“

Die Infizierten sind eine allgegenwärtige Gefahr für die Inselbewohner, die sich auf das Festland wagen, um Vorräte zu beschaffen oder, wie Jamie und Spike, eine rituelle Jagd zu veranstalten. Aber für diejenigen außerhalb Großbritanniens, die von der Krankheit verschont geblieben sind, kann ein unerwarteter Besuch in dem belagerten Land eine schockierende Erfahrung sein.

Nehmen wir Erik Sundqvist, einen schwedischen Soldaten auf einem NATO-Patrouillenboot, dessen Aufgabe es war, die Außenwelt vor Großbritannien und dem Virus zu schützen. Sein Schiff ist verunglückt, wodurch er und ein weiterer Soldat auf dem Festland gestrandet sind und sich nun in allzu großer Nähe zu den Berserkern befinden. „Es ist ein sehr seltsamer und beängstigender Ort für sie“, sagt Edvin Ryding, der Erik spielt. „Es gibt einen großen Kontrast zwischen Erik und Spike, der die Infizierten als Teil des Lebens betrachtet. Für Erik sind sie eine unbegreifliche Gefahr.“
Diese Bedrohung wird durch den Berserker namens Samson verkörpert, mit dem Erik kurz nach der Rettung von Spike und Isla eine schreckliche Begegnung hat. „Wenn man einen Horrorfilm dreht, sucht man nach Bildern, die die Menschen erschrecken“, bemerkt Boyle zu dieser und ähnlichen Szenen im Film. „Es gibt ein erforderliches viszerales Element, und man hat die Verantwortung, so weit wie möglich an die Grenzen zu gehen. Diese Begegnung ist eine eindrucksvolle Möglichkeit, die Macht der Berserker zu veranschaulichen.“

Chi Lewis-Parry, MMA-Kämpfer, Schauspieler und Bodyguard, spielt den Alpha der Alphas, den gigantischen Samson.

Der 6’8” große Lewis-Parry war bereits eine beeindruckende Erscheinung, aber Nolan und Moody wollten ihn noch körperlich bedrohlicher wirken lassen. „Alles musste überdimensioniert sein, weil wir wollten, dass Samson geradezu furchteinflößend und einschüchternd wirkt“, sagt Nolan. „Wir entwarfen einen Bauch mit Narben und fügten dann Muskeln entlang seines Rückens hinzu – die Proportionen von allem wurden um etwa 40 Prozent vergrößert.“




GROSSBRITANNIEN: 28 JAHRE SPÄTER

Wie würde England 28 Jahre nach einer Pest aussehen, die die Nation dezimiert hat? Die Filmemacher gehen davon aus, dass es eine Rückkehr zur Natur geben würde, mit Überlebenden, die in Gebieten mit hohem Gras, schönen Wiesen und Pflanzen leben, die dort zuvor nicht gewachsen sind. Außerdem würden sie sich an Orten versammeln, an denen sie sich am sichersten fühlen, wie beispielsweise auf einer Insel.
Die Produktions- und Kostümdesigner Carson McColl und Gareth Pugh arbeiteten daran, die malerische Holy Island – ein realer Ort und eine wichtige Touristenattraktion – zu dem zu machen, was Boyle sich vorgestellt hatte: „ein wenig regressiv in seiner Weltanschauung und aufgebaut auf Ordnung und einer Art Tyrannei“.

„Während unserer Recherchen fanden wir dieses unglaubliche Buch über das postindustrielle Glasgow, eine Stadt in gedämpften Farben, das den Look der Insel inspirierte“, erläutert Pugh. „Das erklärt, warum Spike sich so sehr von der Überfülle und den Farben des Festlandes angezogen fühlt.“

Flora Moody wird noch anschaulicher: „Danny wollte, dass die Bewohner von Holy Island ein wenig verdreht sind. Ihre Kleidung sollte schäbig und selbstgemacht sein, daher haben alle etwas seltsame Frisuren und schneiden sich die Haare mit einer Schere. Wir wollten diese erschütternde Natur des Lebens einfangen, in dem man ständig von Unsicherheit und Tod umgeben ist.“


WER BRAUCHT EIN IPHONE, WENN MAN 20 (UND EIN 2:76:1-BREITBILDFORMAT) HAT?

28 Days Later wurde bekanntlich mit einer Digitalkamera gedreht, was dem Film einen einzigartigen hausgemachten Charakter verlieh. Als es an der Zeit war, den neuen Film zu drehen, wurden die Versuche des Teams, einzigartige Produktionsmethoden zu finden, teilweise von diesem Ansatz inspiriert.

„ Man könnte das ignorieren, aber wir haben uns entschieden, es als Einfluss zu nutzen“, sagt Boyle und erklärt, dass er und Garland beim ersten Film die „Meta-Idee“ hatten, dass es, da zu dieser Zeit überall Heimvideokameras gab, überall Low-Fi-Aufnahmen der Schrecken der Apokalypse geben würde. 28 Jahre später war das iPhone die heute allgegenwärtige Version der Camcorder von 2002.

Um die Apokalypse darzustellen, findet Boyle es „wunderbar, sich selbst Parameter zu setzen, mit denen man versucht, sie darzustellen, und technische Einschränkungen zu haben“. Dazu gehörte auch, bestimmte Sequenzen mit iPhones zu drehen – manchmal bis zu 20 gleichzeitig. Aber das war nur eine der Methoden, die der Filmemacher einsetzte.

Um dieses immersive Gefühl zu erreichen, wurden verschiedene Produktionstechniken eingesetzt, darunter die Befestigung von Kameras an Schauspielern, spezielle Sensoren, die Konstruktion von Vorrichtungen für mehrere Kameras, Drohnen und die Verwendung einer Vielzahl von Kameratypen und Objektiven. Dazu gehörten auch drei spezielle Vorrichtungen für die iPhone-Sequenzen.

„Eine für acht Kameras, die sehr leicht von einer Person getragen werden kann, eine für zehn Kameras und eine für 20“, erklärt der Direktor der iPhone-Vorrichtungen. „Ich sage das normalerweise nie, aber in der zweiten Hälfte des Films gibt es eine unglaubliche Einstellung, für die wir das 20-Kamera-Rig verwendet haben, und Sie werden es erkennen, wenn Sie es sehen. ... Es ist ziemlich grafisch, aber es ist eine wunderbare Einstellung, die diese Technik nutzt, und zwar auf eine überraschende Weise, die Sie in eine neue Welt versetzt, anstatt Ihnen das Gefühl zu geben, dass Sie das schon einmal gesehen haben.“

Boyle vergleicht das 20-Kamera-Rig mit „im Grunde genommen einer Bullet Time für arme Leute“. Es bietet den Filmemachern Flexibilität in Bezug auf Licht und Benutzerfreundlichkeit bei Außenaufnahmen und kann an Kränen oder einem Kamerawagen befestigt oder sogar in eine Location eingebaut werden. „Wo auch immer, es bietet Ihnen einen 180-Grad-Blickwinkel auf eine Handlung, und beim Schnitt können Sie daraus jede beliebige Auswahl treffen, entweder eine herkömmliche Ein-Kamera-Perspektive oder Sie bewegen sich sofort um die Realität herum, schneiden das Motiv zeitlich auf, springen vorwärts oder rückwärts, um etwas zu betonen“, sagt er. „Da es sich um einen Horrorfilm handelt, verwenden wir es für die gewalttätigen Szenen, um deren Wirkung zu verstärken.

„Ich mag es auch aus dem gleichen Grund, aus dem ich es liebe, die Grenze zu überschreiten“, fügt er hinzu. „Für einen Moment befindet sich das Publikum mitten in der Szene, in der Handlung, anstatt das Bild klassisch zu beobachten. Man hat das Gefühl, mit Jodie Comer und ihrem Sohn im Raum zu sein, die ihre Wut an Aaron Taylor Johnson auslässt, als wäre man in dem verlassenen Zug mit dem nackten Alpha und dem aufgeschnittenen Rücken und Kopf.“

„ Ich sage das sonst nie, aber es gibt eine unglaubliche Einstellung in der zweiten Hälfte des Films, in der wir die 20-Rig-Kamera verwenden, und Sie werden es erkennen, wenn Sie sie sehen. ... Es ist ziemlich drastisch, aber es ist eine wunderbare Einstellung, die diese Technik nutzt, und zwar auf eine überraschende Weise, die Sie in eine neue Welt versetzt, anstatt Ihnen das Gefühl zu geben, das schon einmal gesehen zu haben.“

Dod Mantle verwendete auch konventionellere Kameras, allerdings auf unkonventionelle Weise. Für erschütternde Smash-Cuts zu Tieren und Infizierten, die auf dem Festland umherstreifen. „Ich habe im Grunde genommen thermische Energie fotografiert und sie durch sie hindurchbewegt“, erklärt er. Um die Wirkung und den „Ekel“-Faktor der neuen Slow-Low-Varianten der Infizierten zu maximieren, befestigte Dod Mantle Kameras an ihnen und produzierte damit, wie er es nennt, „sehr verstörende“ Ansichten ihres üppigen Fleisches, das sich dicht über dem Boden bewegt.

„Ich nenne das ‚Einbettung des Publikums durch die Linse‘, und Danny und ich lieben das wirklich“, erläutert er. „Ich möchte, dass das Publikum das Gefühl hat, auf dem Rücken der Slow-Lows zu reiten.“

Boyles Entscheidung, das Breitbildformat 2,76:1 zu verwenden – eine unerwartete Wahl für einen Film dieser Art, da 2,76:1 oft für Imax- oder Ultra-Panavision-70-mm-Epen wie Quentin Tarantinos „The Hateful Eight“, Christopher Nolans „Oppenheimer“ und Ryan Cooglers jüngsten „Sinners“ verwendet wird – verstärkt das immersive Gefühl.

All dies unterstreicht das Bestreben von Boyle und Dod Mantle, immer wieder neue Grenzen zu überschreiten. „Dies ist der zehnte Film, an dem Danny und ich zusammenarbeiten, was bedeutet, dass wir ziemlich schnell auf den Punkt kommen können“, sagt der Kameramann. „Wir beide mögen unkonventionelle Ideen, Techniken und Technologien, die in ihrer Sprache eindringlich sind und Grenzen verschieben. Wir glauben daran, Konventionen zu testen, herauszufordern und zu brechen, und wollten all das mit diesem Film tun.“

Diese Vorgehensweise dient nun Boyles Vision für 28 YEARS LATER, ein Autorenhorrorfilm zu schaffen, der am besten auf der großen Leinwand erlebt wird. „Ich möchte dieses Gefühl der erstickenden Intensität, bei dem man dieser Welt nicht entkommen kann“, erklärt er. „Gleichzeitig muss diese Welt manchmal auch angenehm sein, und Horror kann angenehm sein, besonders wenn die Intensität des Erlebnisses ein gemeinschaftliches ist.

„Ich möchte, dass sich das Publikum hinsetzt und sagt: ‚Ich bin hier, ich bin jetzt ein Teil davon.‘“




BIOGRAFIEN

JODIE COMER (Isla) ist eine britische Schauspielerin, die vor allem für ihre Rolle als Villanelle in der Kultserie „Killing Eve“ von BBC America bekannt ist. Comers herausragende Darstellung einer russischen Attentäterin machte sie schnell zu einer Favoritin des Publikums. Comer gewann 2019 sowohl den Emmy Award als beste Hauptdarstellerin in einer Drama-Serie als auch den BAFTA Award als beste Hauptdarstellerin. Für ihre Rolle wurde sie erneut für einen Emmy Award, einen BAFTA Award und einen Critics Choice Award sowie für einen Screen Actors Guild Award nominiert.

Comer gab ihr Broadway-Debüt im John Golden Theatre sowie ihr West-End-Debüt im Harold Pinter Theatre in Suzie Millers „Prima Facie“. Das Stück erhielt sowohl am Broadway als auch im West End begeisterte Kritiken und wurde außerdem zum umsatzstärksten Event, das im Rahmen der National Theatre Live-Reihe in Großbritannien in den Kinos ausgestrahlt wurde. Comers Leistung brachte ihr den Tony Award 2023 für die beste Darstellerin in einem Theaterstück sowie den Laurence Olivier Award für die beste Darstellerin in einem Theaterstück ein. Comer gewann für ihre Leistung außerdem den Drama Desk Award, den Outer Critics Circle Award und den Theatre World Award. Außerdem wurde sie für einen Drama League Award nominiert. Comer wird ihre mit dem Olivier und Tony Award ausgezeichnete Rolle nächstes Jahr auf einer nationalen Tournee erneut spielen. Das packende Ein-Frau-Stück wurde weltweit von über 1,2 Millionen Menschen gesehen, und nun wird ein noch größeres Publikum die Möglichkeit haben, die preisgekrönte Produktion live an verschiedenen Orten in Großbritannien und Irland zu sehen.

Zuvor spielte Comer neben Stephen Graham in dem britischen Fernsehfilm „Help“. „Help“ wurde auf Channel 4 in Großbritannien uraufgeführt und war Comers erstes Projekt als ausführende Produzentin. Anschließend gewann Comer ihren zweiten BAFTA Award in der Kategorie „Beste Hauptdarstellerin“. „Help“ gewann außerdem den BAFTA Award in der Kategorie „Einzelnes Drama“.

2021 spielte Comer neben Ben Affleck, Matt Damon und Adam Driver in Ridley Scotts „The Last Duel“. Der Film feierte seine Premiere bei den 78. Internationalen Filmfestspielen von Venedig. Comer spielte auch in der Action-Komödie „Free Guy“ von Shawn Levy neben Ryan Reynolds und Joe Kerry. Letzterer war Comers Spielfilmdebüt und spielte weltweit über 300 Millionen Dollar ein.

Letztes Jahr spielte Comer in „The End We Start From“, einem Thriller von Benedict Cumberbatchs SunnyMarch, Hera Pictures, Anton und BBC Film. Basierend auf dem Roman von Megan Hunter erzählt der Film eine hoffnungsvolle Geschichte über die Herausforderungen und Freuden des neuen Mutterseins während verheerender Überschwemmungen, die die Stadt London verschlingen.

Anschließend spielte sie neben Tom Hardy und Austin Butler in Jeff Nichols' Drama The Bikeriders. Der Film spielt in den 1960er Jahren und handelt von einem fiktiven Motorradclub im Mittleren Westen, der auf dem gleichnamigen Fotobuch von Danny Lyon basiert. Comer wird in Kenneth Branaghs The Last Disturbance of Madeline Hynde mitspielen.

Kürzlich hat sie die Dreharbeiten zu The Death of Robin Hood mit Hugh Jackman unter der Regie von Michael Sarnoski abgeschlossen. Zu Comers weiteren Film- und Fernsehrollen zählen: „Thirteen“ (Nominierungen für den BAFTA Award und den RTS Programme Award), „Talking Heads“, „Doctor Foster“, „The White Princess“, „Rillington Place“, „Lady Chatterley’s Lover“, „My Mad Fat Diary“ und „Remember Me“.



AARON TAYLOR-JOHNSON (Jamie) hat mit mehreren unvergesslichen Darbietungen weltweit einen bleibenden Eindruck beim Publikum hinterlassen. Der in High Wycombe, England, geborene Schauspieler begann seine Karriere im Alter von neun Jahren und besuchte die renommierte Jackie Palmer Stage School.

Zuletzt war Taylor-Johnson in Robert Eggers' Remake von Nosferatu zu sehen. Der neu interpretierte Film spielt im 19. Jahrhundert und handelt von einer heimgesuchten jungen Frau (Lily-Rose Depp) und einem alten transsilvanischen Vampir (Bill Skarsgård), der sich in sie verliebt. Focus Features brachte den Film am 25. Dezember 2024 in die Kinos.

Ebenfalls im Dezember 2024 spielte Taylor-Johnson die Titelrolle in dem Marvel-Film Kraven The Hunter. Der Film basiert auf dem gleichnamigen Comicroman und ist der fünfte Film im Spider-Man-Universum von Sony Pictures. Ariana DeBose, Christopher Abbott und Russell Crowe spielen ebenfalls mit. Der Film kam am 13. Dezember 2024 in die Kinos.

Taylor-Johnson ist bald in Fuze zu sehen, einem Heist-Thriller unter der Regie von David Mackenzie, in dem auch Theo James mitspielt. Taylor-Johnson hat kürzlich auch die Dreharbeiten zu Blood on Snow abgeschlossen. In diesem Krimi-Thriller spielt auch Benedict Cumberbatch mit. Der Film basiert auf dem Bestseller-Roman von Jo Nesbø.

2024 arbeitete Taylor-Johnson erneut mit Regisseur David Leitch zusammen und spielte in dem Action-Abenteuerfilm The Fall Guy mit. Der Film von Universal Studios basiert auf der gleichnamigen Fernsehserie aus den 1980er Jahren. Weitere Hauptrollen spielen Ryan Gosling, Emily Blunt und Stephanie Hsu. Der Film feierte am 12. März 2024 auf dem South by Southwest Festival Premiere und kam am 3. Mai 2024 in die Kinos.
Im Sommer 2022 spielte Taylor-Johnson neben Bryan Tyree Henry als Lemon die Hälfte des urkomischen Attentäterduos Tangerine in David Leitchs „Bullet Train“. Der Action-Thriller folgt einer Gruppe eklektischer, unterschiedlicher Attentäter, die alle miteinander verbundene, aber widersprüchliche Ziele verfolgen, vor dem Hintergrund einer Nonstop-Fahrt durch das moderne Japan. In dem Film spielen auch Brad Pitt, Michael Shannon, Zazie Beetz, Sandra Bullock, Hiroyuki Sanada, Andrew Koji und Benito A Martínez Ocasio mit. Sony Pictures brachte den Film am 5. August 2022 in die Kinos.
Zuvor war Taylor-Johnson in Christopher Nolans „Tenet“ neben John David Washington und Robert Pattinson zu sehen. Der Film handelt von einem Geheimagenten, der die Aufgabe hat, durch Zeitreisen den Dritten Weltkrieg zu verhindern. Warner Bros. brachte den Film am 3. September 2020 in die Kinos.

Darüber hinaus war Taylor-Johnson in dem Action-Spionagefilm „The King's Man“ zu sehen, einer Vorgeschichte zur „Kingsman“-Filmreihe. Der von Matthew Vaughn inszenierte, produzierte und mitgeschriebene Film spielt außerdem Ralph Fiennes, Matthew Goode und Rhys Ifans. 20th Century Studios veröffentlichte den Film am 22. Dezember 2021.

Taylor-Johnson schrieb zusammen mit seiner Frau Sam Taylor-Johnson das Drehbuch für die Verfilmung von James Freys Buch „A Million Little Pieces“ aus dem Jahr 2003. Sam führte auch Regie bei dem Film, der einen jungen, drogenabhängigen Frey (gespielt von Aaron) begleitet, der sich einer zweimonatigen qualvollen Entziehungskur in einer Entzugsklinik in Minnesota unterzieht. Billy Bob Thornton, Odessa Young und Charlie Hunnam spielen die Nebenrollen. Der Film feierte seine Weltpremiere auf dem Toronto International Film Festival 2018 und wurde am 6. Dezember 2019 von eOne veröffentlicht.
Im November 2018 spielte Taylor-Johnson in David Mackenzies „Outlaw King“ die Rolle des legendären James Douglas an der Seite von Chris Pine, der Robert the Bruce in dem Film über den schottischen Unabhängigkeitskrieg verkörpert. Der Film wurde weltweit von Netflix veröffentlicht und feierte seine Premiere auf den Toronto International Film Festival 2018 und dem London Film Festival 2018.

Im Mai 2017 spielte Taylor-Johnson die Hauptrolle in Doug Limans Thriller The Wall. Der von Roadside Attractions vertriebene Film handelt von einem Katz-und-Maus-Spiel zwischen einem amerikanischen Scharfschützen (Taylor-Johnson) und einem irakischen Scharfschützen, der ihn hinter einem kleinen Betonbrocken festnagelt.

Im November 2016 spielte Taylor-Johnson neben Amy Adams und Jake Gyllenhaal in Tom Fords Nocturnal Animals mit. Das Drama, eine Adaption von Austin Wrights Roman Tony and Susan aus dem Jahr 1993, brachte Taylor-Johnson einen Golden Globe® Award sowie eine BAFTA-Filmpreis-Nominierung und drei Nominierungen der Film Critics Society als bester Nebendarsteller ein. Der Film von Focus Features wurde auf den Filmfestspielen von Venedig 2016 gezeigt, wo er den Großen Preis der Jury gewann, sowie auf dem Toronto International Film Festival 2016 und dem BFI London Film Festival 2016 und erhielt in der Saison 2016-2017 mehrere Award-Nominierungen.

Im Mai 2015 schloss sich Taylor-Johnson der wiederkehrenden Besetzung mit Robert Downey Jr., Chris Evans, Scarlett Johansson, Chris Hemsworth, Samuel L. Jackson und Mark Ruffalo in der zweiten Folge der Avengers-Reihe, Avengers: Age of Ultron, an. Taylor-Johnson und Elizabeth Olsen spielten das Geschwisterpaar Quicksilver und Scarlet Witch. Die Fortsetzung spielte weltweit über eine Milliarde Dollar ein.
Im Mai 2014 spielte Taylor-Johnson neben Bryan Cranston und Elizabeth Olsen in der Action-Neuverfilmung von Godzilla der Warner Bros. unter der Regie von Gareth Edwards. Der Film spielte in den USA über 200 Millionen Dollar ein.

Im November 2012 spielte Taylor-Johnson die Rolle des Grafen Wronski in der Verfilmung von Anna Karenina unter der Regie von Joe Wright für Focus Features. Der Film ist eine innovative Neuinterpretation des klassischen Romans und feierte seine Premiere auf dem Toronto International Film Festival 2012. Anfang des Jahres spielte Taylor-Johnson eine der drei Hauptrollen in Oliver Stones Savages neben Taylor Kitsch und Blake Lively mit einer hochkarätigen Nebenbesetzung, darunter Salma Hayek, John Travolta und Benicio Del Toro. Der von Universal Pictures vertriebene Film handelt von den Marihuana-Bauern Ben und Chon, die sich gegen das mexikanische Drogenkartell zur Wehr setzen, das ihre gemeinsame Freundin entführt hat.

Im April 2010 spielte Taylor-Johnson die Hauptrolle des Dave Lizewski in dem Kult-Erfolgsfilm Kick-Ass an der Seite von Nicolas Cage, Chloë Grace Moretz und Christopher Mintz-Plasse. Matthew Vaughns Adaption des Comics von Mark Millar wurde bei den Empire Awards als bester britischer Film ausgezeichnet. Im August 2013 spielte Taylor-Johnson erneut die Hauptrolle in der mit Spannung erwarteten Fortsetzung Kick-Ass 2. Beide Teile wurden von Universal Pictures veröffentlicht.

2009 war Taylor-Johnson in Sam Taylor-Johnsons Nowhere Boy zu sehen, in dem er John Lennon während seiner turbulenten Teenagerjahre darstellte. Seine fesselnde Darstellung brachte ihm mehrere Nominierungen ein, darunter einen London Critics' Circle Film Award als „Young British Performer of the Year“, einen British Independent Film Award als „Bester Schauspieler“ und einen Empire Award als „Bester Newcomer“, den er auch gewann. Screen International nahm ihn 2010 in sein Portfolio der „Stars of Tomorrow“ auf.

Zu seinen früheren Rollen zählen die des jungen Edward Norton in dem Oscar®-nominierten und preisgekrönten Film The Illusionist, Shanghai Nights an der Seite von Jackie Chan und Owen Wilson, The Thief Lord mit Caroline Goodall und Jasper Harris, der britische Independent-Film Dummy, Gurinder Chadhas Angus, Thongs and Perfect Snogging und The Greatest an der Seite von Carey Mulligan und Pierce Brosnan. Taylor-Johnson war auch in mehreren beliebten britischen Fernsehserien zu sehen, darunter Feather Boy, Family Business, Nearly Famous und Talk to Me.
Taylor-Johnson ist derzeit das neue Gesicht der Kampagne für das Herrenparfüm Acqua di Giò von Armani.


JACK O’CONNELLs (Jimmy) Karriere hat seit dem Gewinn des EE Rising Star Award bei den BAFTA Awards 2015 und des New Hollywood Award bei den Hollywood Film Awards 2015 einen Aufschwung erlebt. Er hat sich zu einem der vielseitigsten und spannendsten Schauspieler Großbritanniens entwickelt.

Dieses Jahr ist ein Meilenstein für O’Connell, da er in einigen der am meisten erwarteten Filme des Jahres herausragende Rollen spielt. Ryan Cooglers „Sinners“, ein genreübergreifender übernatürlicher Horrorfilm von Warner Bros., feierte kürzlich weltweit Premiere und wurde von Kritikern hoch gelobt. In dem Film spielt O’Connell an der Seite von Michael B. Jordan die Rolle des Remmick, eines charismatischen und mysteriösen Fremden, dessen Ankunft eine Verschiebung der Loyalitäten innerhalb der Gemeinschaft auslöst.

Im Jahr 2026 wird O'Connell in der Fortsetzung „28 Years Later: Bone Temple“ zu sehen sein. Derzeit dreht er den nächsten Teil der „Godzilla x Kong“-Saga von Legendary.

Anfang dieses Jahres war O'Connell in seiner Rolle als Paddy Mayne in der gefeierten sechsteiligen BBC-Drama-Serie „SAS Rogue Heroes“ zu sehen, die die Gründung der berühmten Spezialeinheit im Zweiten Weltkrieg nachzeichnet. Im Jahr 2024 spielte O'Connell in Sam Taylor-Johnsons Amy Winehouse-Biopic „Back to Black“ mit. Die Verfilmung erzählt das Leben und die Musik der unruhigen Musikerin, und O'Connell spielte Winehouses Freund Blake Fielder-Civil.

O'Connell spielte den britischen Rennfahrer Peter Collins in Michael Manns Drama „Ferrari“ (2023) an der Seite von Adam Driver und Penélope Cruz. Zuvor übernahm O'Connell die Rolle des Oliver Mellors in der Netflix-Verfilmung des umstrittenen Romans Lady Chatterley's Lover von D. H. Lawrence unter der Regie von Laure de Clermont-Tonnerre. O'Connell spielte an der Seite von Emma Corrin, die Lady Chatterley verkörperte.

Im Sommer 2021 führte O'Connell die Besetzung von Andrew Haighs fünfteiligem Thriller The North Water für BBC Two an. Colin Farrell, Stephen Graham und Peter Mullan spielten ebenfalls mit. 2020 kam Little Fish in die Kinos, ein Film über ein junges Ehepaar, das darum kämpft, seine Liebe angesichts einer mysteriösen Pandemie, die die Erinnerungen der Menschen auslöscht, am Leben zu erhalten. O'Connell spielte die Rolle der Jude an der Seite von Olivia Cooke.

2019 war O'Connell in dem Thriller Seberg (Amazon Studios) von Benedict Andrews zu sehen, der seine Weltpremiere bei den Filmfestspielen von Venedig feierte. Die Geschichte handelt von einer ehrgeizigen jungen FBI-Agentin, die beauftragt wird, die Schauspielerin Jean Seberg (Kristen Stewart) zu untersuchen, als diese Ende der 1960er Jahre in Los Angeles in die turbulenten Bürgerrechtsbewegungen verwickelt wird. Im selben Jahr spielte O'Connell neben Charlie Hunnam in Max Winklers Jungleland.

O'Connell spielte in Trial By Fire unter der Regie von Edward Zwick, der 2018 beim Telluride Film Festival seine Weltpremiere feierte. Der Film wurde von dem Oscar-prämierten Drehbuchautor Geoffrey Fletcher geschrieben und basiert auf einem preisgekrönten Artikel aus dem New Yorker. Zuvor kehrte O'Connell zusammen mit Sienna Miller auf die Bühne zurück, in Tennessee Williams' mit dem Pulitzer-Preis ausgezeichnetem Stück Cat On A Hot Tin Roof, das in der Plantage eines reichen Baumwollmagnaten namens Big Daddy Pollitt spielt. Das Stück, eine Produktion des Young Vic unter der Regie von Benedict Andrews, untersucht die Beziehungen zwischen verschiedenen Mitgliedern von Big Daddys Familie.

O'Connell spielte in der ursprünglichen Netflix-Western-Dramaserie Godless mit. Die von Scott Frank geschriebene und inszenierte sowie von Steven Soderbergh und Casey Silver produzierte Miniserie spielt im Jahr 1884 und handelt von Frank Griffin (Jeff Daniels), dem Anführer einer berüchtigten Bande, die Städte im gesamten Westen terrorisiert, während er Roy Goode (O'Connell) jagt.

2017 spielte O'Connell einen tschechischen Widerstandskämpfer in The Man With The Iron Heart. 2016 war O'Connell neben George Clooney und Julia Roberts in dem Finanzthriller Money Monster unter der Regie von Jodie Foster zu sehen. Der Film feierte seine Premiere bei den Filmfestspielen von Cannes 2016. Im selben Jahr erhielt O’Connell begeisterte Kritiken, als er die Hauptrolle in Richard Beans „The Nap“ im Crucible Theatre in Sheffield spielte. Das Stück wurde von Richard Wilson inszeniert, und O’Connell spielte die Hauptfigur Dylan.

2014 übernahm O’Connell die Hauptrolle in Angelina Jolies „Unbroken“ und spielte den amerikanischen Olympioniken und Überlebenden des Zweiten Weltkriegs Louis Zamperini. Basierend auf Laura Hillenbrands Buch „Unbroken: A World War II Story of Survival, Resilience and Redemption“ erzählt der Film die Geschichte des Athleten, der nach dem Absturz seines Bombers 47 Tage lang auf einem Floß überlebte und anschließend in verschiedene japanische Kriegsgefangenenlager gebracht wurde.

2014 spielte O'Connell auch in „71“ mit, für den er für einen British Independent Film Award nominiert wurde. Der Thriller, der auf den Unruhen in Belfast in den 1970er Jahren basiert, wurde auf den Filmfestivals in Toronto und Berlin gezeigt. O'Connell spielte auch in David Mackenzies von Film 4 unterstütztem Film „Starred Up“ mit, für den er in der Kategorie „Bester Schauspieler“ bei den BAFTA Scotland Awards nominiert wurde. Das düstere Vater-Sohn-Drama, das in einem Gefängnis spielt und in dem O’Connell neben Rupert Friend den jungen Häftling Eric spielte, feierte auf dem Toronto Film Festival seine Premiere und wurde von der Kritik hoch gelobt. Die Rolle brachte O’Connell 2013 eine Nominierung für den British Independent Film Award als bester Schauspieler ein und trug zu seiner Nominierung für den South Bank Sky Arts Times Breakthrough Award bei.

Anfang des Jahres spielte O’Connell die Rolle des Calisto in „300: Rise Of An Empire“, der Fortsetzung des epischen Films „300“ von Warner Bros. Pictures. 2013 spielte O'Connell erneut die Rolle, die er bereits in Skins gespielt hatte, in dem Spielfilm Skins Rise. 2012 sah das Publikum O'Connell als Hauptfigur Charlie Peaceful in Pat O'Connors Private Peaceful. Außerdem spielte er die Rolle des Kurtis in dem Thriller Tower Block und die Rolle des Adam in dem Thriller The Liability.

In The Runaway aus dem Jahr 2011 spielte O'Connell die Rolle des Eamonn. Im selben Jahr spielte er Bobby Charlton in United, der BBC Two-Verfilmung des Flugzeugabsturzes von München im Jahr 1958. O'Connell spielte auch die Rolle des Dylan in Karl Goldens Weekender
2006 gab O’Connell sein Filmdebüt mit der Rolle des Pukey in dem von Kritikern gefeierten britischen Film This Is England. Es folgte die Rolle des Bösewichts Brett in James Watkins’ Horrorfilm Eden Lake aus dem Jahr 2008, in dem er neben Michael Fassbender und Kelly Reilly zu sehen war. 2009 erhielt O’Connell die Rolle des Marky in Daniel Barbers Krimi-Thriller Harry Brown und spielte später in den Fernsehfilmen Wuthering Heights und Dive unter der Regie von Dominic Savage mit.

Zu O’Connells weiteren Theaterrollen zählen Scarborough am Royal Court, The Spidermen, The Musicians und JUST.


ALFIE WILLIAMS (Spike) wurde 2011 in Newcastle upon Tyne geboren. Im Jahr 2021 hatte er einen bemerkenswerten Auftritt neben Stephen Graham und Shaun Parkes in Phallacy. Williams' außergewöhnliches Talent wurde erkannt, als er im Alter von zehn Jahren einen Vertrag bei der Independent Talent Group unterschrieb. Anschließend wurde er für die dritte Staffel von His Dark Materials, einer Koproduktion von BBC und HBO, engagiert. Im Jahr 2022 erweiterte Williams sein Portfolio durch die Darstellung von Sean Collins in der BBC Radio 4-Serie Our Friends in the North.


RALPH FIENNES (Dr. Kelson) gab 1992 sein Spielfilmdebüt als Heathcliff in „Wuthering Heights“. Zu seinen weiteren Filmen zählen Schindlers Liste, Der englische Patient, Der ewige Gärtner, Das Ende einer Affäre, Der Vorleser, Quiz Show, Oscar und Lucinda, Onegin, Spider, Sunshine, Strange Days, The Hurt Locker und In Bruges. Er spielte Lord Voldemort in der Harry-Potter-Reihe und die Rolle des „M“ in Skyfall, Spectre und No Time To Die.

Zu Fiennes' jüngsten Filmrollen zählen „Conclave“ unter der Regie von Edward Berger, „The Return“, „Coup 53“, „The Wonderful Story of Henry Sugar“, „The Menu“, „The Forgiven“, „The Four Quartets“, „The King’s Man“, „The Dig“, „Official Secrets“, „The Grand Budapest Hotel“, „A Bigger Splash“, „Kubo and the Two Strings“, „Hail Caesar!“ und „The Lego Batman Movie“. Zu seinen kommenden Filmen gehören The Choral unter der Regie von Nicholas Hytner, 28 Years Later unter der Regie von Danny Boyle und 28 Years Later: The Bone Temple unter der Regie von Nia DaCosta.

Fiennes gab 2011 sein Debüt als Spielfilmregisseur mit Coriolanus, in dem er die Titelrolle spielte. 2013 führte er Regie und spielte die Hauptrolle in The Invisible Woman. Sein Film The White Crow über Rudolf Nurejew kam 2018 in die Kinos.

Zu seinen Fernsehproduktionen zählen David Hares Trilogie Page Eight, Turks and Caicos und Salting The Battlefield. Er spielte T. E. Lawrence in A Dangerous Man: Lawrence After Arabia und trat auch in Prime Suspect und Rev auf.

Zu Fiennes' Arbeiten am National Theatre gehören „Antony & Cleopatra“ an der Seite von Sophie Okonedo, für den er den Evening Standard Best Actor Award erhielt, „Man & Superman“, „Oedipus“, „The Talking Cure“, „Six Characters In Search Of An Author“, „Fathers And Sons“ und „Ting Tang Mine“.

Zu seinen zahlreichen Arbeiten an der Royal Shakespeare Company zählen „Troilus & Cressida“, „King Lear“, „Love's Labour’s Lost“, „Henry VI in The Plantagenets“, „Much Ado About Nothing“, „King John“, „The Man Who Came To Dinner“ und Ibsens „Brand“, das später ins Haymarket Theatre übertragen wurde. Für das Almeida Theatre trat er als Richard III. auf, wofür er den Evening Standard Best Actor Award erhielt, sowie in Richard II., Coriolanus, Ivanov und Hamlet, alle unter der Regie von Jonathan Kent. Hamlet wurde im Hackney Empire und anschließend im Belasco Theater am Broadway aufgeführt, wo Fiennes den Tony Award als bester Schauspieler erhielt.

Fiennes kehrte 2006 an den Broadway zurück und erhielt eine Tony-Nominierung für seine Rolle in Brian Friels The Faith Healer nach einer Aufführungsserie am Gate Theatre in Dublin. 2016 spielte Fiennes die Rolle des Solness in The Master Builder unter der Regie von Matthew Warchus am Old Vic Theatre, für die er den Evening Standard Best Actor Award erhielt.

Im Jahr 2020 trat Fiennes im Bridge Theatre in David Hares „Beat The Devil“ auf, das im Sky TV ausgestrahlt wurde. Außerdem tourte er 2021 mit seiner Produktion „The Four Quartets“ durch das Land, die später für die BBC verfilmt wurde. Beide Produktionen wurden unter Einhaltung der Abstandsregeln aufgeführt. Im Jahr 2022 kehrte er mit David Hares „Straight Line Crazy“ ins Bridge Theatre zurück, das ins Shed Theatre in New York City verlegt wurde.

2023/24 spielte Fiennes an der Seite von Indira Varma in „Macbeth“ und trat in verschiedenen Veranstaltungsorten in Liverpool, Edinburgh, London und Washington DC auf. 2025 präsentiert er eine Reihe von Stücken im Theatre Royal Bath, darunter neue Stücke von David Hare und Rebecca Lenkiewicz, und führt Regie bei Shakespeares „As You Like It“.

Fiennes hat für seine Arbeit in Film und Theater zahlreiche bedeutende Auszeichnungen und Nominierungen erhalten. Für seine Rollen in „Der englische Patient“ und „Schindlers Liste“ wurde er für den Oscar, den Golden Globe und den BAFTA nominiert und gewann für Letzteren den BAFTA als bester Nebendarsteller. Außerdem wurde er für „Das Ende einer Affäre“ und „Der ewige Gärtner“ für den BAFTA nominiert. Für „Coriolanus“ wurde er für den BAFTA für das herausragende Debüt eines britischen Autors, Regisseurs oder Produzenten nominiert. Zuletzt wurde er für seine Rolle in „Conclave“ für einen Oscar nominiert, für den er auch für einen BAFTA nominiert wurde. Für seine Rolle in „The Grand Budapest Hotel“ wurde er für einen Golden Globe und einen BAFTA nominiert. Fiennes wurde außerdem mit dem Variety Award for Film Achievement, dem Richard Harris Award der British Independent Film Awards und dem Empire Film Legend Award ausgezeichnet.




DANNY BOYLE (Regisseur/Produzent) übernimmt erneut die Regie, wie schon beim Originalfilm „28 Days Later“. Vor „28 YEARS LATER“ führte Boyle Regie bei den Filmen „Yesterday“, „Steve Jobs“, „Battle of the Sexes“, „127 Hours“ und „Slumdog Millionaire“, für den er den Oscar für die beste Regie und den besten Film erhielt. Sein Debütfilm Trainspotting wurde für einen BAFTA als bester britischer Film nominiert.


ALEX GARLANDS (Autor/Produzent) neuester Film Warfare, den er gemeinsam mit dem Navy-SEAL-Veteranen Ray Mendoza geschrieben und inszeniert hat, kam am 11. April 2025 in die Kinos. Garland arbeitete bei Warfare wie schon bei seinem Film Civil War aus dem Jahr 2024 mit Kirsten Dunst und Cailee Spaeny in den Hauptrollen mit A24 zusammen.

Garland führte Regie bei dem Horrorfilm Men aus dem Jahr 2022, dem Film Annihilation aus dem Jahr 2018 und dem Film Ex Machina aus dem Jahr 2014, für den er für den Oscar für das beste Originaldrehbuch nominiert wurde, sowie bei drei BAFTAs, darunter für das beste Originaldrehbuch.
Garland schuf, schrieb und inszenierte „Devs“, eine achtteilige Miniserie für FX mit Nick Offerman in der Hauptrolle, die im Frühjahr 2020 Premiere feierte.


ANDREW MACDONALD (Produzent) ist ein schottischer Filmproduzent und Gründer von DNA Films, der Produktionsfirma hinter den Alex-Garland-Projekten Civil War, Men, Annihilation, Ex Machina und Warfare. Zu seinen weiteren Produktionen zählen Trainspotting, Never Let Me Go, The Sweeney, Angel of the Skies und Dredd.

Macdonald wurde dreimal für den BAFTA Award für den besten britischen Film nominiert – 1995, 1996 und 2016.


PETER RICE (Produzent) ist Fernseh- und Filmproduzent. Im Jahr 2024 produzierte Rice Jason Reitmans „Saturday Night“ für Sony. Im Jahr 2025 produzierte Rice „Warfare“, geschrieben und inszeniert von Ray Mendoza und Alex Garland für A24. Zu den kommenden Veröffentlichungen gehören „28 Years Later“, geschrieben von Alex Garland und inszeniert von Danny Boyle für Columbia Pictures, sowie „28 Years Later: The Bone Temple“, geschrieben von Alex Garland und inszeniert von Nia DaCosta für Columbia Pictures.

Vor seiner Tätigkeit als Produzent war Rice Präsident von 21st Century Fox, CEO der Fox Networks Group, Vorsitzender von Walt Disney Television und Vorsitzender von General Entertainment für The Walt Disney Company, wo er für Unterhaltungs-, Sport- und Nachrichtensendungen verantwortlich war, darunter ABC, FOX Broadcasting, Fox Sports, ABC News, ABC Studios, Disney Channel, Freeform, FX Networks, Hulu, National Geographic, Onyx Collective, Disney Television und Twentieth Century Fox Television. Zu den Programmen, die unter der Leitung von Rice bei Fox und Disney produziert, ausgestrahlt oder gestreamt wurden, gehören „Die Simpsons“, „American Idol“, „Glee“, „The Americans“, „Genius“, „Modern Family“, „Homeland“, „This Is Us“, „Empire“, „Fargo“, „The Masked Singer“, „The Bear“, „Abbott Elementary“, „The Dropout“, „Family Guy“, „American Crime Story“, „Dopesick“, „Only Murders in the Building“, „9-1-1“, Summer of Soul, Shogun, Percy Jackson and the Olympians, Bob’s Burgers, Brooklyn 99, New Girl, Welcome To Wrexham, Fosse/Verdon, American Horror Story und Free Solo sowie ABC-Nachrichtensendungen wie Good Morning America, World News Tonight und Sportveranstaltungen wie die MLB World Series, das FIFA-Weltmeisterschaftsfinale, das NBA-Finale und den NFL Super Bowl.

Zuvor war Rice Präsident von Fox Searchlight Pictures. Zu den unter seiner Leitung veröffentlichten Filmen gehören Slumdog Millionaire, Juno, Napoleon Dynamite, Little Miss Sunshine, Der letzte König von Schottland, 28 Days Later, The Wrestler und Sideways. In seiner früheren Funktion als Executive Vice President of Production bei Twentieth Century Fox arbeitete Rice mit Regisseur Baz Luhrmann an der Entwicklung und Produktion von Moulin Rouge und William Shakespeares Romeo + Juliet. Außerdem war er als Creative Executive für den ersten Film der X-Men-Reihe verantwortlich.
Neben 28 Days Later arbeitete Rice auch mit Danny Boyle und Alex Garland zusammen, unter anderem an Boyles Trust für FX, Pistol für FX, Slumdog Millionaire für Fox Searchlight, Millions für Fox Searchlight, A Life Less Ordinary für 20th Century Fox und The Beach, basierend auf Garlands gleichnamigem Buch, für 20th Century Fox; Sunshine, unter der Regie von Boyle und geschrieben von Garland für Fox Searchlight; sowie Garlands Devs für FX.


BERNARD BELLEW (Produzent) ist ein erfahrener Filmproduzent und Produktionsleiter mit einer jahrzehntelangen Karriere. Zu seinen Werken zählen die Produktion von „T2 Trainspotting“ (2017) und „Yesterday“ (2019). Er war ausführender Produzent/Koproduzent der Filme 127 Hours (2010), Les Miserables (2012), Tomorrowland (2015), Steve Jobs (2015), Challengers (2024) und Nosferatu (2024).
Bevor er zur Produktion wechselte, sammelte Bellew Erfahrungen als Regieassistent und wirkte an namhaften Filmen wie The Remains of the Day (1993), Sense and Sensibility (1995), Kundun (1997), Star Wars: Episode I – The Phantom Menace (1999) und Notting Hill (1999) mit.


ANTHONY DOD MANTLE (Kameramann), ein mit dem Oscar ausgezeichneter Kameramann, arbeitet regelmäßig mit den renommierten Regisseuren Danny Boyle, Ron Howard, Thomas Vinterberg und Lars von Trier zusammen. Dod Mantles Arbeit an Slumdog Millionaire unter der Regie von Boyle brachte ihm einen Oscar, einen BAFTA-Award und einen ASC-Award für die beste Kamera ein. Weitere Kooperationen mit Boyle umfassen „Trance“, „T2 Trainspotting“ und „127 Hours“, der eine BAFTA-Nominierung erhielt.

Dod Mantle arbeitete mit Ron Howard an „Im Herzen der See“ und „Rush“. Mit Thomas Vinterberg war er als Kameramann bei „The Command“, „When a Man Comes Home“ und „Dear Wendy“ tätig.

Zu seinen jüngsten Arbeiten zählen der bald erscheinende Film The Runner unter der Regie von Kevin Macdonald, First They Killed My Father: A Daughter of Cambodia Remembers unter der Regie von Angelina Jolie und die HBO-Serie The Undoing mit Nicole Kidman und Hugh Grant in den Hauptrollen.


JON HARRIS (Cutter) ist ein in London ansässiger, für den Oscar und den Emmy nominierter Cutter, der für seine Arbeit an einigen der renommiertesten Film- und Fernsehprojekten der letzten zwei Jahrzehnte bekannt ist. Im Jahr 2024 wurde Harris für einen Emmy in der Kategorie „Herausragender Schnitt für eine Miniserie oder Anthologieserie“ nominiert und erhielt eine Nominierung der American Cinema Editors (ACE) für den besten Schnitt eines Spielfilms (Nicht-Kinofilm) für seine Arbeit an der Black Mirror-Episode „Beyond The Sea“.

Harris arbeitet häufig mit den Regisseuren Danny Boyle, James Watkins und Matthew Vaughn zusammen. Mit Boyle hat er an Yesterday, T2 Trainspotting, Trance und 127 Hours gearbeitet, wobei ihm letzterer eine Oscar- und BAFTA-Nominierung für den Schnitt einbrachte.

Zu Harris' Zusammenarbeit mit James Watkins gehören die von der Kritik gefeierten Filme Speak No Evil, Bastille Day, The Woman in Black und Eden Lake.
Mit Matthew Vaughn hat Harris „The King’s Man“, „Kingsman: The Great Game“, „Kick-Ass“ und „Stardust“ geschnitten. Zu seinen weiteren bemerkenswerten Arbeiten zählen Guy Ritchies „Snatch“, Liliana Cavani’s „Ripley’s Game“ und Neil Marshalls „The Descent“.


GARETH PUGH & CARSON McCOLL (Produktion / Kostümdesign) sind britische Designer und Mitbegründer des preisgekrönten unabhängigen Designstudios HARD+SHINY mit Sitz im Somerset House in London. Gemeinsam haben sie mit einigen der beliebtesten Künstler unserer Zeit zusammengearbeitet – darunter Beyoncé, Lady Gaga und Rihanna – und mit einigen der weltweit bedeutendsten Kulturinstitutionen kooperiert, darunter das Metropolitan Museum of Art und der Louvre. Außerdem haben sie Shows für das New York City Ballet, die Opéra Garnier und das Royal Opera House entworfen. Zu ihren kommerziellen Kunden zählen eine Vielzahl internationaler Marken, darunter DeBeers, Chrome Hearts, Moët & Chandon, MAC Cosmetics, The Estée Lauder Companies, Mercedes Benz, Rolls Royce Motor Cars, Madison Square Garden, Adidas, Selfridges & Co. und Richard Bransons Virgin Voyages.